Ringo Starr

 

Sir Richard Starkey (Liverpool, 7 de julio de 1940) más conocido como Ringo Starr, es un cantante, compositor y actor británico que fue el baterista de la banda de rock The Beatles.

Antes de formar parte de The Beatles, Starr fue miembro de otra banda de Liverpool, Rory Storm and the Hurricanes. En agosto de 1962, Pete Best fue despedido y Ringo ocupó su lugar. Además de tocar la batería, Starr participó como vocalista en varias canciones versionadas o creadas por el grupo como «With a Little Help from My Friends», «Yellow Submarine», «I Wanna Be Your Man», «Act Naturally», «Boys», entre otras y fue el compositor de las canciones «Don't Pass Me By» y «Octopus's Garden».

La contribución creativa de Starr a la música de The Beatles fue sujeto de elogios por músicos y críticos. El baterista Steve Smith comentó que la popularidad de Starr «dio luz a un nuevo paradigma donde se comenzó a ver al batería como un participante más en el aspecto compositivo». En 2011, los lectores de la revista musical Rolling Stone eligieron a Starr el quinto mejor baterista de todos los tiempos.

Tras la separación de The Beatles en 1970, Starr comenzó una carrera musical en solitario con éxitos comerciales en la década de 1970 como Ringo (1973) y Goodnight Vienna (1974) y varios fracasos en la década de 1980, durante la cual desarrolló una actividad cinematográfica paralela, participando en películas como El cavernícola (1981). Además, participó como músico de sesión en trabajos de otros artistas, incluyendo sus tres antiguos compañeros de The Beatles, y narró las dos primeras temporadas de la serie infantil animada Thomas y sus amigos. En 1989, creó Ringo Starr & His All-Starr Band, una banda con una formación rotatoria al estilo de Bill Wyman's Rhythm Kings y con la que sale anualmente de gira, y publicó el álbum Time Takes Time, la primera de una serie de colaboraciones con el músico Mark Hudson, quien produjo posteriores trabajos como Vertical Man (1997), Ringo Rama (2003) y Choose Love (2005). Su disco Postcards from Paradise fue publicado en 2015.

Soundtrack 50's y 60`s

Un especial de una hora de duración con las canciones que fueron soundtrack de películas en los años 50's y 60's interpretadas por cantantes y grupos de rock y pop.

Kinks

 

The Kinks fue una banda británica de rock originaria de Muswell Hill, al norte de Londres, formada por los hermanos Ray y Dave Davies en 1963. Catalogada en Estados Unidos como una banda de la invasión británica, The Kinks está reconocido como uno de los grupos de rock más importantes e influyentes de todos los tiempos. Su música tiene influencias de una amplia gama de géneros, entre los que se cuentan el R&B, el music hall británico, la música folclórica y el country. Ray Davies (cantante principal, guitarra rítmica) y Dave Davies (guitarra principal, voz) permanecieron en él durante los 32 años de trayectoria del grupo. Los miembros originales Peter Quaife (bajo, voz) y Mick Avory (batería, percusión) se vieron reemplazados por John Dalton en 1969 y Bob Henrit en 1984, respectivamente. Dalton a su vez fue relevado por Jim Rodford en 1978, mientras que el teclista Nicky Hopkins acompañó a la banda durante las sesiones de grabación a mediados de la década de 1960. Más tarde, muchos teclistas, entre los que se incluyen John Gosling e Ian Gibbons, fueron integrantes de la banda.

The Kinks adquirió fama en 1964 con su tercer sencillo, «You Really Got Me», compuesto por Ray Davies. Se convirtió en un éxito internacional; llegó a la cima de las listas del Reino Unido e ingresó a los Top 10 de las listas de los Estados Unidos. Entre mediados de la década de 1960 y la de 1970, el grupo lanzó una serie de álbumes y sencillos que gozaron de éxito comercial y de la crítica y se ganaron una reputación por sus canciones y álbumes conceptuales que reflejan la cultura y estilo de vida inglés, gracias al estilo observacional de las composiciones de Ray Davies. Álbumes como Face to Face, Something Else, The Kinks Are the Village Green Preservation Society, Arthur, Lola Versus Powerman and the Moneygoround y Muswell Hillbillies, junto con sus sencillos se cuentan entre los discos más influyentes del período. A pesar del escaso éxito de los posteriores álbumes conceptuales teatrales, la banda experimentó un resurgimiento a fines de la década de 1970 y a principios de la de 1980, cuando grupos como Van Halen, The Jam, The Knack y The Pretenders realizaron diversas versiones de sus canciones, lo que contribuyó a aumentar las ventas de The Kinks. En la década de 1990, intérpretes de britpop como Blur y Oasis mencionaban a menudo a la banda como una de sus grandes influencias. The Kinks se disolvió en 1996 debido a los fracasos comerciales de sus últimos álbumes así como las tensiones creativas entre los hermanos Davies.

The Kinks tuvieron diez sencillos en la lista estadounidense Billboard Hot 100 y nueve de sus álbumes ingresaron al Top 40. En el Reino Unido, el grupo tuvo 17 sencillos que ingresaron al Top 20 y cinco álbumes que alcanzaron el Top 10. Cuatro de sus álbumes han recibido discos de oro otorgados por la Recording Industry Association of America, y, entre numerosos reconocimientos, han recibido el premio Ivor Novello por sus «sobresalientes aportaciones a la música británica». Los miembros originales del grupo ingresaron en el Salón de la Fama del Rock en 1990, el primer año en que eran elegibles, y en noviembre de 2005 en el Salón de la Fama de la Música del Reino Unido.

1964

 

Un especial con las canciones más representativas editadas en el año de 1964.

The Who

 

The Who es una banda británica de rock considerada un icono de la música del siglo XX, formada en 1962 con el nombre de The Detours que posteriormente cambió a The Who tras la incorporación del baterista Keith Moon. De esa manera el grupo, con Roger Daltrey (voz), Pete Townshend (guitarra, teclados y voz), John Entwistle (bajo y voz) y Keith Moon (batería), potenció su carrera escalando a los primeros puestos del ambiente del rock inglés.

Fue conocida por sus energéticas presentaciones en vivo las cuales incluían la destrucción de sus instrumentos. The Who ha vendido alrededor de 100 millones de discos en todo el mundo, posicionaron 27 sencillos en el Top 40 del Reino Unido y Estados Unidos, así como 17 álbumes en el Top 10, obteniendo 18 discos de oro, 12 de platino y 5 de multi-platino solo en los Estados Unidos.

The Who alcanzó la fama en el Reino Unido con una serie de sencillos que se ubicaron en el Top 10, impulsados en parte por emisoras de radio piratas como Radio Caroline, iniciando su éxito en enero de 1965 con «I Can't Explain». Los álbumes My Generation (1965), A Quick One (1966) y The Who Sell Out (1967) lo siguieron, con los dos primeros alcanzando el Top 5 en el Reino Unido. Su primer hit en el Top 40 fue «Happy Jack» y, posteriormente, ingresó en el Top 10 ese mismo año con «I Can See For Miles».

Su fama creció con actuaciones memorables en los festivales de Monterey, Woodstock e Isle of Wight. En 1969 lanzaron Tommy, el primero de una serie de álbumes Top 10 en los Estados Unidos, seguidos por Live at Leeds (1970), Who's Next (1971), Quadrophenia (1973), The Who By Numbers (1975), Who Are You (1978) y The Kids Are Alright (1979).

El baterista Keith Moon murió en 1978 a la edad de 32 años. Después de su muerte, la banda lanzó dos álbumes de estudio, Face Dances (1981) que alcanzó el Top 5 en las listas de Estados Unidos y el Reino Unido, y posteriormente It's Hard (1982), que alcanzó el Top 10 en el ranking musical estadounidense, trabajos que realizaron con el baterista Kenney Jones, antes de que la banda se separase en 1983. The Who volvió a reagruparse para participar en el Live Aid, en el vigesimoquinto aniversario de la banda y en la gira de Quadrophenia en 1996 y 1997. En 2000, los tres miembros originales sobrevivientes trabajaron en la grabación de un nuevo material, pero sus planes se estancaron temporalmente debido a la muerte de John Entwistle en 2002, a los 57 años de edad. Townshend y Daltrey continuaron con el trabajo de la banda, lanzando, en 2006, Endless Wire, que alcanzó el Top 10 en Estados Unidos y el Reino Unido.

The Who fue incluido en el Salón de la Fama del Rock en 1990, en su primer año de elegibilidad, describiéndolos como: «Primeros contendientes, en la mente de muchos, por el título de la banda más grande en el mundo del rock». La revista Time expresó en 1979 que: «Ningún otro grupo ha llevado el rock tan lejos». Rolling Stone escribió: «Junto con The Beatles y The Rolling Stones, The Who completa la santísima trinidad del rock británico». Recibieron el Lifetime Achievement Award de la British Phonographic Industry en 1988 y de la Grammy Foundation en 2001, por las significativas y excepcionales contribuciones creativas en el campo de la grabación. En 2008 Daltrey y Townshend fueron honrados con el Premio Kennedy en su trigésima primera edición. Ese mismo año, VH1 Rock Honors rindió homenaje a The Who, donde Jack Black de Tenacious D los llamó «La banda más grande de todos los tiempos». Se suele referir a la banda como el eslabón entre el rock and roll y el punk rock, debido a las claras influencias que ejercerían sobre grupos posteriores como Sex Pistols o Ramones, tanto musical como líricamente, mostrando tendencias revolucionarias y rebeldes.

The Rolling Stones [Parte 2]

El primer doble LP de la banda Exile on Main St.,  invadió las tiendas el 12 de mayo de 1972. Aunque tuvo una buena acogida por el público (debutó en el primer lugar entre los álbumes más vendidos), la crítica especializada de la época lo recibió fríamente, argumentando una «mala producción, falta de organización (debido a las condiciones en las que se grabó) y autoindulgencia». No obstante, la prensa de años posteriores lo ha revalorizado tan favorablemente, que en la actualidad muchos lo consideran como la obra maestra de The Rolling Stones y uno de los discos más importantes de la música contemporánea. Está compuesto en su mayoría por canciones descartadas, y se caracteriza por sus melodías rústicas con una pobre producción, sostenidas por su clásico rock & roll, mezclado con sonidos enraizados en la música tradicional estadounidense blues, soul, country y gospel. Los especialistas destacaron su atmósfera densa y oscura, y los riffs y solos de Taylor y Richards.

Después de una secuencia de discos aclamados por la crítica y con buena aceptación del público, entraron en una etapa de decadencia creativa, propiciada por sus propios excesos: Keith Richards y su adicción a las drogas; y Mick Jagger y su preocupación por destacar en la farándula. A finales de agosto «Angie» comienza a trepar a la cima de las listas de popularidad. Esta canción, inspirada en Anita Pallenberg, los situó de nuevo en los primeros lugares de las listas en toda América, Europa y Asia, dándoles otro éxito a nivel internacional. El 31 de agosto de 1973 ponen a la venta Goats Head Soup, que fue el resultado de unas tormentosas sesiones de grabación en la isla de Jamaica a mediados de ese año. El álbum, impulsado por el éxito de sus sencillos «Angie» y posteriormente de «Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)», trepó hasta el primer lugar en Norteamérica y Gran Bretaña. Fue acompañado de una subsecuente gira promocional por Europa, que se inició en septiembre en Viena, Austria y acabó en Berlín, Alemania a finales del siguiente mes.

Su nuevo trabajo denominado It's Only Rock'n'Roll fue lanzado el 18 de octubre de 1974 acompañado de «Ain't Too Proud to Beg». El álbum contó con la participación del guitarrista de Faces Ronnie Wood en el tema que le da nombre al disco. Esta canción, «It's Only Rock 'N Roll (but I Like It)», había salido como sencillo unos meses antes de la aparición del álbum, escalando hasta el puesto 16 en Estados Unidos y al 10 de Reino Unido.

El 23 de abril de 1976 sacaron a la venta Black and Blue, su primer trabajo con Wood en la banda. En este disco también colaboraron el pianista Billy Preston y los guitarristas Wayne Perkins y Harvey Mandel, que en su momento hicieron pruebas de audición para reemplazar a Mick Taylor. El material fue promocionado por medio de un cartel en el cual aparecía la modelo Anita Russell golpeada y sometida, acompañada de la frase Estoy negra y azul —Black and Blue es una forma popular de referirse a los moratones— por culpa de los Rolling Stones, ¡pero me encanta!. El acto desató protestas por parte de los grupos feministas y Billboard retiró la publicidad. Sin embargo, esto no impidió que el sencillo «Fool To Cry» se colocara en el top-10 de los Estados Unidos y la banda recibiera su primer disco de platino por parte de la RIAA. La propaganda violenta contrastó con el contenido del álbum, un disco con temas bailables y con fuertes influencias en la música negra, específicamente reggae, funk y jazz. Su más nueva colección de canciones polarizó a los especialistas, mientras el crítico Lester Bangs lo calificó como «el último álbum de los Stones que importe», el crítico Bud Scoppa le describió como «cuarenta y un minutos de superestricto, absolutamente seco, rock y soul de excelente calidad». Poco después se embarcaron en una gira que incluyó presentaciones en Alemania, Bélgica, Escocia, Inglaterra, Holanda, Francia, España, Yugoslavia, Suiza y Austria.

Hacia finales de la década de los 70 comenzaron a recibir críticas por la calidad de sus trabajos debido a que no alcanzaron la aceptación que tuvieron sus producciones de principios de la década. Estaban considerados como una banda «obsoleta» en pleno auge de la música punk. En medio de las críticas pusieron en circulación su siguiente larga duración, Some Girls, el 9 de junio de 1978, trepando directamente hasta la cima de las carteleras mundiales y se convirtió hasta la fecha en su álbum más vendido en Estados Unidos y el resto del mundo al rebasar los 10 millones de unidades. Inspirado en la música punk y disco, esta grabación contenía canciones rápidas con letras cínicas y fuerte crítica social, aunque también se apreciaban su habitual dosis de misoginia y racismo, que desencadenó fuertes enfrentamientos con diversos sectores de color en Norteamérica. Registrado entre octubre de 1977 y marzo de 1978 en los estudios Pathé Marconi de París, del álbum se extrajeron los sencillos «Miss You», «Beast of Burden», «Respectable» (en Reino Unido) y «Shattered» (en Estados Unidos), que figuraron entre las 40 principales de las radios británicas y estadounidenses. No obstante «Miss You», un tema funk/blues escrito por Jagger para la modelo Jerry Hall que acabó sonando como una canción disco, se consagró como el máximo éxito de la producción al ser el único sencillo, y hasta la fecha el último de su carrera, en colocarse en la cima del Billboard y desbancar del primer puesto a «Shadow Dancing» de Andy Gibb.

Entrando en una nueva década, publican el 20 de junio de 1980 Emotional Rescue. El mismo día del lanzamiento salió como sencillo «Emotional Rescue», que se instaló rápidamente entre las más escuchadas de las radios. Alcanzó la posición número 3 en el Hot 100 de Billboard. El álbum fue bien recibido por el público y debutó entre los primeros lugares de las listas, entrando en el número ocho del Hot 200 de Billboard, pasando en la siguiente semana al uno, lugar en donde permaneció durante siete semanas, al igual que en Reino Unido, donde fue su primer número uno desde Goats Head Soup en 1973.

A principios de 1981 decidieron volver a grabar, pero para su sorpresa el productor Chris Kimsey optó por recopilar los descartes de sus últimos cinco discos, debido al mal periodo que pasaban Jagger y Richards. Lanzan «Start Me Up», tema reggae del Black and Blue y descartado para el Some Girls, seguido de Tattoo You el 24 de agosto. El sencillo subió rápidamente a la cima de las listas, llegando al uno en Australia, al dos en Estados Unidos, al siete en Gran Bretaña, y lideró el Hot Mainstream Rock Tracks de Billboard durante trece semanas consecutivas. Sus posteriores sencillos «Waiting on a Friend» (descarte del Goats Head Soup) y «Hang Fire» (descarte de Some Girls) entraron entre los veinte primeros de los Estados Unidos. La crítica recibió con agrado la producción, destacando en su primera parte números rock sólidos y efectivos como «Hang Fire», que contrastaban con los temas blues suaves con letras personales de la segunda mitad, como «Waiting on a Friend». Debra Rae Cohen, de Rolling Stone señaló: «parecen mezquinos y tristes». El álbum consiguió cuatro discos de platino y un disco de oro en Estados Unidos y en Gran Bretaña respectivamente. El 7 de noviembre de 1983 publican Undercover, promocionado días antes por el sencillo «Undercover of the Night». El álbum fue considerado como un intento de Jagger por conseguir un sonido compatible con las nuevas tendencias musicales, pero a pesar del entusiasmo inicial de la crítica, la producción con abundante contenido sexual y políticamente violento, fue fríamente recibido por su público.

El 18 de enero de 1989 The Rolling Stones (incluyendo a Mick Taylor, Ronnie Wood, Ian Stewart y Brian Jones) fueron incorporados al Salón de la Fama del Rock and Roll, en una ceremonia a la que no asistieron ni el batería Charlie Watts ni el bajista Bill Wyman. Durante marzo y abril de ese año permanecieron con Chris Kimsey grabando en la isla de Monserrat en sesiones diarias de más de 15 horas. A finales de agosto ponen a la venta Steel Wheels. De este se extrajeron cuatro sencillos: «Mixed Emotions», «Rock and a Hard Place», «Almost Hear You Sigh» y «Terrifying», los primeros dos en agosto y noviembre de 1989, respectivamente, y los dos últimos en 1990. «Mixed Emotions» se colocó entre las canciones más populares en las carteleras de Billboard, quinto en Hot 100 y primero en Rock Tracks, su último sencillo en alcanzar estas posiciones. Tuvo buena recepción tanto por el público, que lo llevó a ser triple platino en Norteamérica, y por los críticos, quienes indicaron que a pesar de no tener la calidad de otros trabajos anteriores, lo resaltaron como un regreso.

Voodoo Lounge emerge el 11 de julio de 1994, grabado entre septiembre de 1993 y abril de 1994 en las islas de Barbados y en los estudios de Ronnie Wood en Irlanda. Fue recibido con entusiasmo por el público, instalándose en el primer puesto de Gran Bretaña, Austria, Países Bajos, Suiza y Australia y en el segundo de los Estados Unidos, siendo múltiple platino en Canadá, y EE. UU., platino en Alemania y Oro en Gran Bretaña. La crítica reseñó positivamente el disco, resaltando el retorno a sus conceptos musicales, la ambigüedad de sus canciones, y el predominio de baladas. El trabajo destacó por su énfasis melódico y el protagonismo que ejerció Charlie Watts con la batería a lo largo de cada una de las canciones. El crítico Stephen Thomas Erlewine opinó: «es un disco más fuerte que su predecesor». Del álbum se extrajeron «Love Is Strong», «You Got Me Rocking», «Out of Tears» y «I Go Wild» como sencillos, de los que solo el tercero tuvo un buen lugar en el Hot 100 de Billboard, aunque «Love Is Strong» y «You Got Me Rocking» llegaron al número dos de Mainstream Rock Tracks.

El 29 de septiembre de 1997 publican Bridges to Babylon, grabado en Connecticut, Londres, Nueva York y Los Ángeles entre diciembre de 1996 y julio de 1997. Contó con una gran gama de productores, encabezados por Don Was (Voodoo Lounge y Stripped) y The Glimmer Twins (Jagger/Richards), y respaldados por The Dust Brothers (productores de Beck y Beastie Boys), Pierre de Beauport, Rob Fraboni, y Danny Saber (productor de Black Grape). Le precedió «Anybody Seen My Baby?» como primer sencillo promocional, colocándose entre las 40 canciones más populares de Europa, y llegando al número 3 del Mainstream Rock Tracks del Billboard.

El 10 de mayo de 2005 realizaron una pequeña presentación en la Juilliard School de Nueva York, anunciando una nueva gira mundial y una nueva producción de estudio. Para agosto dieron inicio al A Bigger Bang Tour en el Fenway Park de Boston y publicaron el sencillo doble «Streets of Love»/«Rough Justice», que se colocó dentro de las cuarenta principales de las carteleras europeas —alcanzando la cima en España—, y en listas argentinas y canadienses. Sin embargo, tuvo una pobre repercusión en Estados Unidos y el resto del mundo. Su álbum se comercializó el 5 de septiembre bajo el título de A Bigger Bang. Fue grabado en las residencias de Jagger en Francia y en la isla de San Vicente. En general recibió críticas favorables, citándose como su mejor producción desde Tattoo You o inclusive desde Some Girls.

A la fecha, la banda ha editado veinticinco álbumes de estudio y colocado treinta y dos sencillos dentro de los diez más populares de Reino Unido y los Estados Unidos. Las ventas totales de The Rolling Stones se estiman entre 200 y 250 millones de discos, convirtiéndolos en unos de los artistas más exitosos de todos los tiempos.

The Rolling Stones [Parte 1]

The Rolling Stones es una banda británica de rock originaria de Londres. La banda se formó en abril de 1962 por Brian Jones, Mick Jagger, Keith Richards, Bill Wyman, Charlie Watts e Ian Stewart. Brian Jones fue despedido en junio de 1969, falleciendo tres semanas después, siendo reemplazado por el guitarrista Mick Taylor, que dejaría el grupo en 1975 y sería a su vez reemplazado por Ronnie Wood. Con el retiro de Bill Wyman en 1993 se incluyó al bajista Darryl Jones que, aunque toca con la banda desde la grabación del álbum Voodoo Lounge en 1994, no es un miembro oficial.

Están considerados como una de las más grandes e influyentes bandas de toda la historia del rock, siendo una de las agrupaciones que sentó las bases del rock contemporáneo. Contando desde sus inicios con el favor de la crítica, algunos de sus materiales están considerados de los mejores de todos los tiempos; entre ellos destacan Beggars Banquet (1968), Let It Bleed (1969), Sticky Fingers (1971) y quizá su mejor obra, Exile on Main St. (1972). En 1989 fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll, y en 2004 la revista estadounidense Rolling Stone los colocó en el puesto n.º 4 en su lista de Los 50 mejores artistas de todos los tiempos. Ningún grupo de rock hasta la fecha ha sostenido tan duradera y todavía mundialmente reconocida trayectoria como The Rolling Stones; con Jagger, Richards y Watts como miembros fundadores en activo, continúan siendo la banda más longeva de la historia del rock.

Sus primeras producciones incluían versiones y temas de blues, rock and roll y R&B norteamericano. No obstante, en el transcurso de su trayectoria añadieron toques estilísticos de otros géneros para adaptarse a cada época, recibiendo influencias desde la música psicodélica, el country, el punk, la música disco, el reggae o la música electrónica. Pese a encabezar junto a The Beatles (con los que siempre rivalizaron en popularidad) la «invasión británica» en los primeros años de la década de 1960, no fue sino hasta el lanzamiento de «(I Can't Get No) Satisfaction» en 1965 cuando alcanzaron el estrellato internacional y se establecieron como una de las bandas más populares en la escena musical. A la fecha, la banda ha editado veinticinco álbumes de estudio y colocado treinta y dos sencillos dentro de los diez más populares de Reino Unido y los Estados Unidos. Las ventas totales de The Rolling Stones se estiman entre 200 y 250 millones de discos, convirtiéndolos en unos de los artistas más exitosos de todos los tiempos.

 El álbum debut de The Rolling Stones apareció el 17 de abril, bajo la producción de Oldham y Eric Easton. Titulado simplemente The Rolling Stones, el LP resultó prácticamente una reproducción de un concierto de los Stones, grabado en una sola toma en los Regent Studios de Londres, y contenía una colección de rock, R&B y blues en los que resaltaban la batería, la armónica y las guitarras. Además de numerosas versiones, incluía la primera composición de Jagger y Richards, una balada de corte acústico titulada «Tell Me (You're Coming Back)», y unos temas atribuidos a Phelge y Phil Spector. La crítica respondió con agrado y fue bien recibido en Inglaterra, manteniéndose 12 semanas en el primer lugar de ventas y otras 40 en la cartelera. Después emprendieron una gira nacional y por los Países Bajos, acompañados por The Ronettes, y tras su finalización se embarcaron en su primera gira por Estados Unidos en vísperas del lanzamiento del LP en ese país, renombrado para la ocasión England's Newest Hitmakers.

Su segunda producción discográfica, The Rolling Stones No.2, salió a la venta el 15 de enero de 1965 en Gran Bretaña, apoderándose rápidamente de la cima de las carteleras británicas por 13 semanas. Repitiendo la fórmula de su anterior trabajo, Oldham conjuntó un álbum de versiones, exceptuando las inéditas «Off the Hook», «What a Shame» y «Grown Up Wrong». En Rolling Stones No.2 se observa una evolución de la banda hacia el terreno R&B y blues, integrado por temas más lentos que su predecesor y que tienen como base rítmica la batería; además se aprecian la inclusión más constante de la slide guitar y de la armónica. La publicación en los Estados Unidos se realizó al siguiente mes y al igual que en su anterior LP, sería editado bajo otra denominación, The Rolling Stones, Now!. Al contrario que su versión británica, este disco fue acompañado del éxito de «Heart of Stone», canción que sustituyó a «Grown Up Wrong» en el álbum estadounidense, siendo el primer sencillo de la banda en el que figuraban como compositores.

El siguiente sencillo, «The Last Time», se editó tanto en EE. UU. como en Inglaterra, siendo su primer corte original en Gran Bretaña. Con esta canción volvieron por tercera vez consecutiva a la cima de las listas de popularidad locales, mientras que en Norteamérica les valió su primer éxito en el Top 10. Posteriormente publicaron la canción «(I Can't Get No) Satisfaction», tema que los llevaría al superestrellato internacional. Este daría inicio a una nueva etapa en la banda, en la que su música sería la nueva forma de provocación. Jagger comenzó a componer temas donde expresaba críticas hacia la sociedad, la política y el sexo femenino, situación notable en las canciones que fueron destinadas al mercado pop.

En febrero de 1966 la banda regresó al mercado con «19th Nervous Breakdown», un gran éxito pese a que no pasó del segundo puesto en América y Gran Bretaña. Meses más tarde publicaron una canción que rompió con los estándares R&B plasmados por los Stones en sus pasados discos promocionales, «Paint It, Black». El exótico riff de Brian Jones en el sitar, le dio a «Paint It Black» ese ambiente misterioso y sombrío que catapultaría a los Stones al número uno en ambos lados del Atlántico y colocaría a la banda nuevamente en lo más alto de la cartelera mundial. Apoyándose en este golpe comercial, Decca Records puso a la venta Aftermath el 15 de abril en la Gran Bretaña. Por primera vez el grupo entregó un trabajo original, integrado en su mayoría por canciones rescatadas del proyecto Could You Walk on the Water?. Contrastando con sus anteriores producciones, ofrecieron un producto lejano de la influencia R&B y blues, y letras que llegaron a los límites de la misoginia, como «Stupid Girl» o «Under My Thumb».

El 20 de enero de 1967 editaron Between the Buttons en el Reino Unido, que fue su último disco bajo la dirección de Andrew Loog Oldham. Los temas «Let's Spend The Night Together» y «Ruby Tuesday» acompañaron a la producción, lanzados para la ocasión como un sencillo doble. «Ruby Tuesday» se convirtió en un número uno a nivel mundial, mientras que «Let's Spend The Night Together» fue relegada a posiciones más bajas principalmente porque en países como Estados Unidos fue censurada por su forma explícita en que aborda las relaciones sexuales. Por citar un ejemplo, Ed Sullivan amenazó a Jagger para que cambiara el coro («Let's Spend Some Time Together») para su presentación en The Ed Sullivan Show.

Tras las constantes protestas de sus fans, fueron liberados por el Tribunal de apelación de la Corte Suprema de Londres el 31 de julio. A su salida, graban el sencillo «We Love You» como muestra de agradecimiento a sus fieles seguidores. John Lennon y Paul McCartney colaboraban en los coros. Aunque oficialmente estaba dirigido a los fanáticos, también fue tomado como un ataque hacia el periódico The News of the World, a la policía y a algunos miembros de la judicatura británica.

Bajo estas circunstancias grabaron Their Satanic Majesties Request, un álbum producido por ellos mismos con el que intentaban responder al Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de The Beatles. Se trata de un álbum de rock psicodélico, que posee influencias de la música oriental y africana, y pasajes experimentales a los que se incorporan múltiples instrumentos y orquestaciones. Con fines promocionales lanzaron los sencillos «In Another Land», y «She's a Rainbow»; la primera, composición firmada e interpretada por el bajista Bill Wyman, incluyó la participación de Steve Marriott en los coros, mientras que la segunda tuvo arreglos de cuerda de John Paul Jones y un delicado piano de Nicky Hopkins. Para infortunio del grupo, sólo «She's a Rainbow» se hizo un lugar en las listas de éxitos. Paralelamente, el disco tampoco alcanzó las altas cifras de ventas de sus anteriores grabaciones. Las primeras 25 000 copias tenían un holograma, lo que aumentó aún más el precio del álbum y dificultó su venta. Además la crítica especializada recibió fríamente a Their Satanic Majesties Request y le dedicó duros comentarios. Este momento, tras las pobres ventas y duras críticas, representó el fracaso más grande en su carrera.

En los primeros días de diciembre de 1968 vio la luz Beggars Banquet, álbum fuertemente aclamado por la crítica musical y con el que se iniciaría una serie de cuatro álbumes de estudio que habitualmente se consideran como la «cima de la obra de los Stones».

El 4 de julio lanzaron «Honky Tonk Women», acompañado por «You Can't Always Get What You Want» en la cara B, que se disparó rápidamente a la cima de las listas de éxitos en todo el mundo durante semanas, consiguiendo otro éxito mundial. Este fue seguido por el disco Let It Bleed, lanzado el 28 de noviembre, que incluye tanto la participación de su difunto miembro Brian Jones como la de su nuevo guitarrista Mick Taylor, con dos temas cada uno. La producción fue muy aclamada por la crítica («su gran obra maestra», en palabras del crítico de música Stephen Davis) y alcanzó el número tres en las listas estadounidenses y el número uno en las británicas, permaneciendo 19 y 29 semanas entre los discos más vendidos, respectivamente.

El 23 de abril de 1971 editan Sticky Fingers, primer álbum bajo su propio sello, una subsidiaria de Atlantic Records. El 7 de mayo hace su estreno mundial el sencillo «Brown Sugar», nuevo corte del grupo que contó con «Bitch» y «Let It Rock», original de Chuck Berry, como cara B para Norteamérica y Reino Unido respectivamente. El corte llegó al tope de las listas de popularidad en ambos países por dos semanas consecutivas.

The Beatles [Parte 3]

El álbum The Beatles fue lanzado en noviembre de 1968. Fue conocido popularmente como el Álbum Blanco por ser su portada totalmente blanca y contener solo el nombre del grupo en relieve. Además, en sus primeras ediciones reflejaba un número de serie en su cubierta. En contraposición a las anteriores fundas o cubiertas, el Álbum Blanco —publicado con el plus del diseño minimalista de Richard Hamilton— contrastaba con anteriores diseños de las cubiertas de estilo pop-art como los que realizaba Peter Blake. La inspiración creativa para este álbum llegó desde una nueva dirección, cuando, faltando la presencia rectora de Epstein, la banda se volvió hacia el Maharishi Mahesh Yogi para hacerlo su gurú. En su ashram en Rishikesh, India, la impartición de un «curso-guía» de tres meses se convirtió en uno de sus períodos más creativos, produciendo allí un gran número de canciones, incluyendo la mayor parte de las treinta grabadas para el álbum. Starr se marchó después de diez días de estancia allí, comparando aquel lugar con un campamento familiar de verano, y McCartney finalmente se aburrió con el procedimiento de sus compañeros en aquel lugar y se fue un mes después. Para Lennon y Harrison la creatividad se tornó en cuestionamiento cuando Yanni Alexis Mardas, técnico de electrónica conocido como Magic Alex, sugirió que el Maharishi estaba tratando de manipularles. Después de que Mardas alegara que el Maharishi había hecho proposiciones sexuales a varias asistentes, Lennon quedó convencido y se fue abruptamente, llevándose a Harrison y al resto de la comitiva consigo. En su ira, Lennon escribió una canción llamada «Maharishi», pero luego la modificó para evitar una demanda legal, convirtiéndola en la canción «Sexy Sadie». McCartney dijo: «Hemos cometido un error. Pensábamos que había algo más en el Maharishi de lo que realmente había»

Durante las sesiones de grabación para el álbum, que se extendieron desde fines de mayo hasta mediados de octubre de 1968, las diferencias y los desacuerdos comenzaron a dividirlos. Starr los dejó por un tiempo, lo que hizo que siguiesen adelante con McCartney tocando la batería en varios temas. El romance de Lennon con la artista vanguardista Yoko Ono contribuyó a crearles tensiones, haciendo que Lennon perdiese el interés en escribir canciones con McCartney.

La opinión general de la crítica se decantó finalmente a favor del White Album, y en 2003 la revista Rolling Stone lo consideró el décimo mejor álbum de todos los tiempos. Pitchfork describe el álbum como «grande, rebosante de ideas y lleno de una enorme variedad musical [...] sus defectos son tan esenciales a su carácter como sus virtudes». Allmusic señala: «Claramente, las dos fuerzas compositoras de The Beatles ya no estaban en la misma página, pero tampoco lo estaban George y Ringo»; a pesar de todo «Lennon crea una de sus dos mejores baladas, las letras de las canciones de McCartney son sorprendentes», es visible que Harrison se ha convertido en «un compositor que merecía una demostración más amplia» y la composición de Starr «es un placer».

Para ese entonces, el interés por las letras de The Beatles estaba tomando un aspecto serio. Cuando la canción de Lennon «Revolution» se había publicado como sencillo en agosto, como anticipo del White Album, su mensaje parecía claro: «libera tu mente» y «no cuentes conmigo» para cualquier conversación sobre la destrucción como medio para alcanzar un fin. En un año caracterizado por protestas estudiantiles que se extendían desde Varsovia hasta París y Chicago, la respuesta de la izquierda radical fue mordaz. Sin embargo, la versión de la canción en el White Album, «Revolution 1», añadía una palabra extra: «count me out... in» (traducible por: «no cuentes conmigo..., cuenta conmigo»), lo que implicaba un cambio de ideas desde la publicación del sencillo. De hecho, la cronología se había invertido: la ambigua versión del álbum se había grabado antes, pero algunos creyeron que The Beatles ahora decían que la violencia política podía ser, a pesar de todo, justificable.

El LP Yellow Submarine apareció finalmente en enero de 1969. Contenía sólo cuatro de sus canciones inéditas, junto a la pista del título, ya aparecida en Revolver; una canción editada en sencillo en 1967; y siete piezas instrumentales compuestas por George Martin e interpretadas con su orquestada. Debido a la escasez de música nueva que la agrupación proporcionaba, Allmusic sugirió que quizás el álbum «no fuese esencial», salvo por el tema «It's All Too Much» de Harrison, «la joya de las nuevas canciones [...] resplandecida por un mellotron envolvente, una percusión increíble, y un feedback de guitarra fastuoso [...] una excursión virtuosa en la por otra parte confusa psicodelia reinante»

Aunque Let It Be fue el último álbum que lanzaron, la mayor parte de su contenido fue grabado antes de Abbey Road. Inicialmente llamado Get Back, Let It Be se originó de una idea que Martin atribuye a McCartney: preparar nuevo material e interpretarlo por primera vez en un concierto, grabarlo para un nuevo álbum y filmar sus sesiones de grabación. En este caso, mucho del contenido del disco vino del trabajo en estudio, muchas horas de las cuales fueron capturadas en película por el director Michael Lindsay-Hogg. Martin dijo que los ensayos y la grabación para el proyecto, que ocuparon gran parte de enero de 1969, «no fue en absoluto una experiencia feliz. Fue una época en la que las relaciones entre los miembros de The Beatles estaban en su punto más bajo». Agravado por las relaciones entre McCartney y Lennon, Harrison abandonó los ensayos durante una semana. Regresó con el teclista Billy Preston, que participó en los últimos diez días de las sesiones del álbum y que fue acreditado en el sencillo «Get Back», el único músico en recibir tal reconocimiento en una grabación oficial de The Beatles. Pensando en la localización para realizar el concierto, a los miembros de la banda se les agotaron todas las ideas, rechazando, entre otros escenarios, un barco en el río Támesis, el desierto de Túnez y el Coliseo de Roma. Finalmente, acompañados por Preston, llevaron a cabo y filmaron la actuación en la azotea del edificio de Apple Corps en el 3 de Savile Row, Londres, el 30 de enero de 1969.

Martin se sorprendió cuando McCartney se puso en contacto con él y le pidió que produjera un nuevo álbum, ya que las sesiones de Get Back habían sido —según el productor— «una experiencia desagradable» y que había «pensado que era el final del camino para todos nosotros [...] se habían convertido en personas desagradables - para ellos mismos como para las demás personas.» Las sesiones de grabación de Abbey Road se iniciaron a finales de febrero de 1969. Lennon rechazó el formato propuesto por Martin de «una obra musical continua», y quería que sus propias canciones y las de McCartney ocuparan partes separadas del álbum. El formato final, con canciones individuales en la primera parte y la segunda comprendiendo un largo medley, fue un concepto sugerido por McCartney. El 4 de julio, mientras iba progresando el trabajo en el álbum, apareció el primer sencillo de un miembro de The Beatles en solitario: «Give Peace a Chance» de Lennon, acreditado a la Plastic Ono Band. La complementación de «I Want You (She's So Heavy)», de Abbey Road, el 20 de agosto, fue la última vez que los cuatro Beatles estuvieron juntos en el mismo estudio. Lennon anunció su retirada de la formación el 20 de septiembre de 1969, pero se llegó a un acuerdo por el cual no se haría ningún anuncio público hasta que no se resolvieran algunos asuntos legales aún pendientes.

Lanzado seis días después de la declaración de Lennon, Abbey Road vendió cuatro millones de copias en dos meses y encabezó las listas del Reino Unido durante once semanas. Su segunda pista, la balada «Something», se publicó también como sencillo, la primera y única composición de Harrison en aparecer como un lado A en los sencillos de The Beatles. Abbey Road recibió críticas muy variadas, aunque el medley se llevó el aplauso general. Allmusic considera que es «un oportuno canto de cisne para el grupo» con «algunas de las mejores armonías que pueden ser oídas en cualquier disco de rock». MacDonald lo resaltó como «errático y, a menudo hueco»: «Si no hubiera sido por la entrada de McCartney como diseñador del largo medley [...] Abbey Road carecería de la semblanza de unidad y coherencia que hace que parezca mejor de lo que es». Martin lo colocó como su favorito entre todos los álbumes de The Beatles; Lennon dijo que era «competente», pero «no tenía vida en él», llamando a «Maxwell's Silver Hammer» «más de la música de abuela de Paul». El ingeniero de grabación Geoff Emerick señaló que la sustitución de la válvula en la mezcladora de audio del estudio hizo que el transistorizado produjese un sonido con menos garra, dejando a los músicos frustrados por el tono más delgado y la falta de efecto.

El 11 de septiembre de 2019, el periódico The Guardian reveló que la banda no planeaba que Abbey Road fuera su último disco. De hecho, la fuente informa que Lennon envió una grabación a Ringo Starr, que se encontraba hospitalizado, para informarle de que estaban planeando nuevo material. Entre los planes del cuarteto estaba que cada uno de los músicos aportara un tema como mínimo, y hasta se pensaba lanzar un sencillo para Navidad. Las declaraciones fueron hechas por Mark Lewisohn.

El 8 de mayo se lanzó el álbum Let It Be, con producción final de Spector. El sencillo extraído de él, «The Long and Winding Road», fue su última publicación en los Estados Unidos, ya que en Gran Bretaña no se había publicado como tal. La película documental Let It Be le siguió más tarde en ese mes; en la ceremonia de los Premios Óscar del siguiente año ganaría el Óscar a la mejor banda sonora. The Sunday Telegraph la calificó como «una película muy mala, pero al mismo tiempo enternecedora [...] sobre la ruptura de esta tranquila, geométricamente perfecta, y alguna vez atemporal familia de compañeros». Más de una reseña crítica había comentado que algunas pistas de Let It Be sonaban mejor en la película que en el propio álbum.

Durante 1995 y 1996, el proyecto antológico dio lugar a un documental dividido en cinco partes destinado para la televisión; a una edición videográfica dividida en ocho volúmenes del mismo documental, pero expandido; y a tres álbumes con dos CD cada uno. Posteriormente, en 2000, también daría lugar a un libro de gran tamaño y tapa dura con la historia de The Beatles relatada en primera persona por sus ex miembros. Las dos canciones basadas en las maquetas de Lennon, «Free as a Bird» y «Real Love», fueron lanzadas cada una como sencillo. El diseño artístico de la portada tríptica de los tres álbumes antológicos fue obra de Klaus Voormann, creador de la portada del álbum Revolver en 1966. Los lanzamientos fueron un éxito comercial y la serie de televisión fue vista por una audiencia estimada de 400 millones de personas en todo el mundo.

En 1965, la reina Isabel II nombró a los cuatro Beatles miembros de la Orden del Imperio Británico (MBE). La película Let It Be (1970) de The Beatles, ganó un Óscar en 1971 por mejor banda sonora original. The Beatles han recibido 7 premios Grammy y 15 premios Ivor Novello por sus discos. Han sido certificados con 6 discos de diamante, así como 24 discos multi-platino, 39 discos de platino y 45 discos de oro en los Estados Unidos, mientras que en el Reino Unido tienen 4 discos multi-platino, 4 discos de platino, 8 discos de oro y 1 disco de plata. El grupo fue admitido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1988. De forma colectiva, fueron incluidos en la recopilación de la revista Time de las 100 personas más influyentes del siglo XX. En 2009, la Asociación de la Industria Discográfica de Estados Unidos certificó que The Beatles habían logrado vender más discos en los Estados Unidos que cualquier otro artista. The Beatles han tenido más álbumes número uno en el Reino Unido que cualquier otro artista musical (un total de 15 álbumes), sumando con ello un total de 174 semanas de permanencia en la primera posición de la lista musical. Figuran, asimismo, en la primera posición como los más grandes artistas de todos los tiempos de las listas Hot 100 y Billboard 200 en la clasificación de Billboard de 2015.

The Beatles [Parte 2]

Rubber Soul había marcado un gran paso hacia adelante en la música de The Beatles; Revolver, lanzado en agosto de 1966, una semana antes de su última gira, marcaría otro paso más para el grupo. Pitchfork lo identifica como «el sonido de una banda que estaba creciendo con suprema confianza en sí misma» y «la redefinición de lo que cabía esperar de la música popular». En Revolver se destacan las sofisticadas composiciones y un repertorio muy amplio de estilos musicales, que van desde innovadores arreglos de cuerda clásica hasta el rock psicodélico. Abandonando la típica fotografía que hasta ese momento era norma, la portada del álbum —diseñada por Klaus Voormann, un amigo que conocían desde sus días en Hamburgo— consistió ahora en un «collage artístico en blanco y negro que tenía caricaturizada la imagen de The Beatles en un corral de tinta al estilo de Aubrey Beardsley». El álbum fue precedido por el sencillo «Paperback Writer», con «Rain» en la cara B del disco. The Beatles rodaron cortometrajes promocionales para ambas canciones, que están considerados como «auténticos primeros videos musicales de entre los que se rodaron en aquella época» y que fueron transmitidos en los programas Top of the Pops y The Ed Sullivan Show.

Uno de los temas más experimentales de Revolver fue «Tomorrow Never Knows», cuya letra fue inspirada por el libro The Psychedelic Experience: A Manual Based on the Tibetan Book of the Dead, de Timothy Leary. En la creación de la canción se vieron involucradas ocho pletinas distribuidas por el edificio de estudio de grabación, cada una manejada por un ingeniero o un miembro de la banda, que variaba aleatoriamente el movimiento del bucle de una cinta. «Eleanor Rigby», de McCartney, contiene un uso prominente de un octeto de cuerda en la canción; el tema ha sido descrito como «un verdadero híbrido musical, ya que no es reconocible algún estilo o género concreto en la canción». Harrison se estaba desarrollando como compositor, y tres de sus composiciones habían ganado lugar en el álbum. En 2003, Rolling Stone situó a Revolver como «el tercer mejor álbum de todos los tiempos». En la gira que siguió en Estados Unidos, The Beatles no tocaron ninguna de las canciones del álbum. The Beatles dieron su último concierto en vivo el 29 de agosto de 1966 en el Candlestick Park de San Francisco. Marcó el final de un período de cuatro años dominado por giras que incluyeron cerca de 1400 apariciones en conciertos a nivel internacional.

En menos de siete meses, después de grabar Revolver, volvieron a los estudios de grabación de EMI el 24 de noviembre de 1966 para empezar a grabar su octavo álbum, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Emerick recordó: «The Beatles insistieron en que todo en el Sgt. Pepper tenía que ser diferente. Teníamos instalados micrófonos dentro de las campanas de los instrumentos de metal, y los auriculares se convirtieron en micrófonos unidos a los violines. Solíamos usar gigantes osciladores primitivos para variar la velocidad del sonido de los instrumentos y la voz, y teníamos cintas cortadas en pedazos y pegadas de nuevo aleatoriamente y al revés». Algunas partes de «A Day in the Life» requirieron una orquesta de cuarenta personas. Cerca de 700 horas de tiempo de estudio se dedicaron a las sesiones. Primero se produjo el sencillo independiente de doble lado A «Strawberry Fields Forever»/«Penny Lane» en febrero de 1967; el Sgt. Pepper le siguió en junio. La complejidad de las grabaciones musicales, creadas usando sólo tecnología de grabación a cuatro pistas, asombró a artistas contemporáneos que buscaban superar a The Beatles. Para el líder de The Beach Boys, Brian Wilson, en medio de una crisis personal y dificultades para completar su ambicioso álbum Smile, el oír «Strawberry Fields» fue un duro golpe y pronto abandonó todos los intentos de competir con The Beatles. El Sgt. Peppers recibió la aclamación de la crítica. En 2003, la revista Rolling Stone lo situó como el mejor álbum de todos los tiempos, y es ampliamente considerado como una obra maestra.

El 25 de junio interpretaron su nuevo sencillo, «All You Need is Love», para los televidentes de todo el mundo a través de Our World, el primer programa transmitido vía satélite para todo el mundo. Su aparición en medio del Verano del Amor hizo que lo adoptasen como himno del flower power. Dos meses después sufrieron una pérdida que lanzó su carrera al caos. Después de ser presentados al Maharishi Mahesh Yogi, viajaron a Bangor (Gales) para retirarse a la meditación trascendental. Durante el retiro, el asistente de Epstein, Peter Brown, llamó para informarles de que Epstein había muerto. El médico forense dictaminó que su muerte fue ocasionada por una sobredosis accidental de anfetaminas, pero también se rumoreó de que se había descubierto una nota de suicidio entre sus posesiones. Epstein se había encontrado en un estado emocional frágil, tanto por cuestiones personales como por el estado de su relación de trabajo con The Beatles.

Magical Mystery Tour, la banda sonora de una próxima película de The Beatles, apareció como un doble EP de seis temas a principios de diciembre de 1967. En los Estados Unidos las seis canciones aparecieron en un LP titulado de la misma manera, en el que se incluyeron también los temas de sus últimos sencillos. Allmusic opina sobre el Magical Mystery Tour americano: «El sonido psicodélico de este disco está muy a la par del Sgt. Pepper, e incluso se encuentra más acentuado en algunas partes de él (especialmente en los collages de sonido de 'I Am the Walrus')», y califica a sus cinco canciones extraídas de los sencillos que publicaron en 1967 como «enormes, gloriosas e innovadoras». El álbum estableció un nuevo récord en sus primeras tres semanas de venta inicial en los Estados Unidos, el más alto de cualquier otro LP de Capitol, y es una compilación de Capitol que después fue adoptada en el canon oficial de los álbumes de estudio de The Beatles. Transmitida el Día de San Esteban, la película Magical Mystery Tour, dirigida básicamente por McCartney, les trajo la primera crítica negativa por parte de la prensa del Reino Unido, con artículos despectivos hacia su filme. Fue llamada «una indudable basura» por el Daily Express, que la describió como «una sucesión de imágenes sin editar mostrando a un grupo de gente subiendo y bajando de un autobús y viajando todo el tiempo en él». Sin embargo, el Daily Mail la calificó como «un proyecto vanidoso», mientras que The Guardian la calificó como «una especie de juego de fantasía moral sobre la grosería, la calidez y la estupidez de la audiencia». Le fue tan rotundamente mal que fue cancelada en ese momento en Estados Unidos. En enero, filmaron un corto para la película animada Yellow Submarine, una versión animada y fantasiosa de The Beatles. La otra y última participación que llevaron a cabo en la película fue con la contribución de varias grabaciones de estudio inéditas. Estrenado en junio de 1968, el filme fue bien recibido por su innovador estilo visual y humorístico, además de su música. Sin embargo, tuvieron que pasar siete meses hasta que se publicó la banda sonora de la película.

Invasión Británica

La Invasión británica (en inglés British Invasion) fue el movimiento musical predominante en Estados Unidos hacia mediados de los años 1960, cuando grupos de rock procedentes del Reino Unido alcanzaron altas cotas de popularidad a raíz del éxito del grupo británico de rock The Beatles. Todos estos grupos, claramente influenciados por el rock and roll, el blues y el rhythm & blues estadounidenses, eran capaces de elaborar canciones sencillas y pegadizas.

Antes de la fulgurante llegada de The Beatles,cantantes como Cliff Richard o bandas como The Shadows gozaron de gran repercusión en el Reino Unido. La casi nula presencia británica en el panorama musical estadounidense se refleja claramente en el número de canciones británicas que lograron situarse durante aquella época en las primeras posiciones de las listas estadounidenses, únicamente dos: "Stranger on the Shore" de Mr. Acker Bilk y "Telstar" de The Tornados, en mayo y diciembre de 1962, respectivamente. Con la publicación por parte de Capitol del sencillo de The Beatles "I Want To Hold Your Hand" a finales de 1963, llegó la revolución: el grupo visitó Estados Unidos por primera vez y su disco pronto se situó en los primeros puestos de las listas. Además, su presencia en el programa de Ed Sullivan el 9 de febrero de 1964 marcó un récord de telespectadores jamás alcanzado hasta la fecha; este momento suele ser considerado el comienzo de la invasión británica. Los "Fab Four" pronto se hicieron con el primer puesto de las listas, lo cual abrió el mercado estadounidense a bandas británicas de rock como The Rolling Stones, The Dave Clark Five, The Animals, o The Who, y también el cantante Tom Jones.

Curiosamente, otras bandas británicas tan importantes en la época como The Yardbirds, Them o The Kinks tuvieron, inicialmente, poca presencia en los USA. No obstante, a pesar de su escaso éxito a nivel mainstream (los Kinks incluso llegaron a tener vedada su presencia en los Estados Unidos como sanción por su mal comportamiento) su influencia en el ambiente underground fue enorme. Tanto como para ser auténticos iconos de las bandas que dieron lugar a la explosión de lo que ha venido a llamarse Garage Rock o Garage-Punk y que tuvo su momento culminante entre 1965 y 1968.

The Rolling Stones pisaron por primera vez suelo estadounidense en junio de 1964, presentándose en los mejores recintos y mejores programas de la época como "The Ed Sullivan Show" . En 1965 editan su tercer trabajo discográfico, "Out of Our Heads", en el que se encuentra el éxito "(I Can't Get No) Satisfaction", el primero de los muchos números 1 en las listas americanas que obtendría posteriormente la banda.

Cuirosamente, The Rolling Stones alcanzó con sus dos primeros discos el número 1 en el mercado británico, sin lograrlo en Estados Unidos, pero este fue su primer número uno en Estados Unidos y el primero en quedarse solo en el número 2 en el Reino Unido.

The Animals, por su parte, con la adaptación de una canción folk popular “House of the rising sun”, logran ser el segundo grupo británico que consigue el número uno en las listas, tanto británicas como estadounidenses y a finales de 1964 editan su primer LP "The Animals".

Por supuesto, el rock británico todavía tendría mucho que decir, tanto en lo que quedaba de década como en los posteriores años 70 y 80 (e incluso en la actualidad). Pero lo cierto es que en torno a 1967-68 se puede fechar el fin del fenómeno conocido como "British Invasion" en sentido estricto.

The Beatles [Parte 1]

The Beatles fue una banda de rock inglesa activa durante la década de 1960, y reconocida como la más exitosa comercialmente y la más alabada por la crítica en la historia de la música popular y de la música rock. Formada en Liverpool, estuvo constituida desde 1962 por John Lennon (guitarra rítmica, vocalista), Paul McCartney (bajo, vocalista), George Harrison (guitarra solista, vocalista) y Ringo Starr (batería, vocalista). Enraizada en el skiffle y el rock and roll de los años 1950, posteriormente trabajaron con distintos géneros musicales, tales como pop, rock pop, música beat, folk rock, rock psicodélico hasta hard rock, incorporando a menudo elementos clásicos, entre otros, de forma innovadora en sus canciones. La naturaleza de su enorme popularidad, que había emergido primeramente con la moda de la «beatlemanía», se transformó al tiempo que sus composiciones se volvieron más sofisticadas. Llegaron a ser percibidos como la encarnación de los ideales progresistas, extendiendo su influencia en las revoluciones sociales y culturales de la década de 1960.

Lanzado en octubre de 1962, «Love Me Do» alcanzó el número diecisiete en la lista británica Record Retailer. Posteriormente, en el mes de noviembre comenzaron a grabar lo que sería su segundo sencillo, «Please Please Me». Hicieron su debut en la televisión al emitirse una actuación suya en directo en el programa regional People and Places, de la Granada Television. Lanzado en marzo de 1963, el álbum Please, Please Me alcanzó el número uno en las listas británicas. El tercer sencillo que publicaron, «From Me to You», fue lanzado en abril y también alcanzó la cima de las listas de éxitos. A partir de ese momento se inició una racha casi ininterrumpida de diecisiete sencillos editados por The Beatles, que alcanzaron el número uno en las listas británicas, incluyendo todos los que se publicaron en los siguientes seis años, a excepción de uno. Lanzado en agosto, el cuarto sencillo, «She Loves You», alcanzó el récord de mayor número de copias vendidas en el Reino Unido hasta ese momento, vendiendo cerca de 750 mil copias en menos de cuatro semanas. Se convirtió en su primer sencillo en vender un millón de copias, y siguió teniendo el récord en el Reino Unido hasta 1978, cuando fue superada por «Mull of Kintyre», interpretada por McCartney y su grupo posterior a la separación de The Beatles, Wings. La popularidad de su música les proporcionó una creciente atención de la prensa, a la que ellos respondieron con una descarada e irreverente actitud, que acabó por apartarse de los rasgos característicos de las figuras más importantes de la música pop y que, incluso, inspiró mayores intereses. Please Please Me estaba todavía en lo más alto de las listas. Se mantuvo en esa posición durante treinta semanas, sólo para ser desplazado por With The Beatles, que se colocó en el primer lugar durante veintiún semanas. Haciendo mayor uso de las técnicas de producción que usaron en el LP predecesor, el álbum fue grabado entre julio y octubre. With The Beatles es descrito por Allmusic como «una secuela al más alto nivel que mejora al original mediante el desarrollo de un tono propio y la adición de profundidad». En un cambio de lo que hasta entonces había sido la práctica habitual, el álbum fue lanzado a fines de noviembre antes del inminente sencillo «I Want to Hold Your Hand», excluyendo a esta canción con el fin de maximizar las ventas del sencillo homónimo.

La falta de interés de la compañía discográfica Capitol Records durante 1963 no pasó desapercibida para la competencia, de manera que United Artists Records alentó a su división de cine United Artists a ofrecerles un contrato cinematográfico con la esperanza de poder llegar a un acuerdo discográfico con ellos. Dirigida por Richard Lester, A Hard Day's Night los involucró durante un periodo de tres semanas entre marzo y abril de 1964 para el rodaje de la película. El estreno de la película tuvo lugar en Londres y Nueva York en julio y agosto, respectivamente, y fue un éxito internacional. Estrenada en la cúspide de la Beatlemanía, fue muy bien recibida por la crítica cinematográfica, convirtiéndose así en una de las películas más célebres de la historia en su género. Según Allmusic, la banda sonora de la película, A Hard Day's Night, hizo que se les viese como «una verdadera banda cohesionada. Todas las influencias dispares de sus dos primeros álbumes se habían fundido esta vez de forma brillante, alegre y original, llena de sonidos de guitarras». Este «sonido de guitarra» fue principalmente producto de Harrison y su guitarra eléctrica de 12 cuerdas Rickenbacker.

Su cuarto álbum de estudio, Beatles for Sale, vio el comienzo de un serio conflicto entre el comercialismo y la creatividad. Grabado entre agosto y octubre de 1964, se tuvo la intención de continuar con el formato establecido en A Hard Day's Night, que a diferencia de los primeros dos LP, éste incluía únicamente composiciones originales de ellos. Reconociendo el desafío que planteaba el dar constantes conciertos por todo el mundo, sus esfuerzos de componer nuevas canciones fueron en vano. Finalmente, fueron incluidas seis versiones en su nuevo álbum de estudio. Lanzado a principios de diciembre, sus ocho canciones originales destacaron por la creciente madurez que mostraba el material producido por la asociación Lennon-McCartney.

La segunda película de The Beatles, Help!, de nuevo dirigida por Lester, fue estrenada en julio de 1965. Descrita principalmente como «una parodia de las películas de James Bond», el filme fue recibido tibiamente por la crítica y por ellos mismos. McCartney comentó: «Help! era estupenda, pero no fue nuestra película, éramos como una especie de estrellas invitadas. Fue divertido, pero básicamente, como idea para una película, estuvo un poco errada». Su banda sonora, el quinto álbum de estudio de la agrupación, contenía material original con solo dos canciones versionadas. Lennon era el cantante y compositor dominante en ella, incluyendo los dos sencillos extraídos del álbum: «Help!» y «Ticket to Ride». En Help! se les vio con una mayor utilización de doblajes vocales y la incorporación de instrumentos clásicos en sus arreglos, especialmente el cuarteto de cuerdas de la balada «Yesterday». Compuesta por McCartney, «Yesterday» posee el récord de ser la canción más versionada de la historia de la música. La pista de cierre del LP, «Dizzy Miss Lizzy», se convirtió en el último tema que versionaron e incluyeron en un álbum. 

Rubber Soul, lanzado a principios de diciembre, fue aclamado por la crítica como un gran paso en la madurez y la complejidad de su música. El biógrafo y crítico musical Ian MacDonald comentó que con Rubber Soul, The Beatles «recuperaron la dirección que habían comenzado a perder durante las últimas etapas con su trabajo en Beatles for Sale». Después de que en Help! incursionasen en el mundo de la música clásica con cuerdas y flautas, la introducción en Rubber Soul de un sitar en «Norwegian Wood (This Bird Has Flown)» marcó un avance más allá de los límites tradicionales de la música rock. Además, también demostró que Lennon y McCartney estaban menos complementados en sus composiciones, cada vez más diferentes entre sí (aunque seguían compartiendo crédito oficial). Su alcance temático estuvo en plena expansión, englobando los aspectos más complejos del romance y otro tipo de preocupaciones en sus canciones. Como sus letras se hicieron más ingeniosas, los fanáticos comenzaron a estudiarlas para encontrar su verdadero significado. Se especuló que «Norwegian Wood» podría referirse al cannabis. En 2003, la revista Rolling Stone clasificó a Rubber Soul en el puesto número 5 de «los 500 mejores álbumes de todos los tiempos», y el álbum es descrito por Allmusic como «uno de los discos clásicos en el género musical de folk rock». De acuerdo con Lennon y McCartney, sin embargo, este fue «sólo un álbum más». El ingeniero Norman Smith vio claros signos de los crecientes conflictos que tenían durante las sesiones de Rubber Soul; Smith dijo más tarde que «el enfrentamiento entre John y Paul se hacía cada vez más evidente» y «en lo que se refiere a Paul, George no podía hacer nada bien».

Deep Purple

Deep Purple es una banda británica de hard rock formada en 1968 en Reino Unido. Está considerada como una de las pioneras de dicho subgénero, y los pioneros del heavy metal junto a Led Zeppelin y Black Sabbath. Su música ha incorporado elementos del rock progresivo, rock sinfónico, rock psicodélico, blues rock y de la música clásica y Britpop. Deep Purple ha vendido más de 120 millones de discos en todo el mundo.

La banda ha sufrido múltiples cambios en su formación a lo largo de las décadas, aunque permaneció inactiva desde julio de 1976 hasta su reunión en abril de 1984. Sus cuatro primeras alineaciones son a menudo etiquetadas como "Mark I", "II", "III" y "IV". La "Mark II", formada por Ian Gillan (voz), Ritchie Blackmore (guitarra), Jon Lord (teclados), Ian Paice (batería) y Roger Glover (bajo), es considerada la alineación más exitosa, y la que mayores ventas ha cosechado, la cual se mantuvo en activo desde 1969 a 1973, de 1984 a 1989, y nuevamente de 1992 a 1993.

El grupo fue considerado "la banda más ruidosa del planeta" por el libro Guinness de los récords en la edición de 1974 debido al concierto que realizaron en el Rainbow Theatre de Londres, el 30 de junio de 1972, en el cual se midieron 117 decibelios. En 2013 una encuesta realizada por la emisora de radio británica Planet Rock situó a Deep Purple en el 5º lugar de las "bandas más influyentes de la historia".

La discografía de Deep Purple, consta de veinte álbumes de estudio, veintidós en directo, trece recopilatorios y treinta y cinco sencillos. Machine Head (1972) alcanzó la primera posición en Reino Unido, Canadá, Alemania, Australia, Yugoslavia, Francia, Finlandia y Dinamarca además de obtener dos certificaciones de platino de la RIAA estadounidense. Machine Head incluye el sencillo «Smoke on the Water», que alcanzó la segunda posición en Canadá y la cuarta en Estados Unidos.

Hacia 2013, Deep Purple había vendido más de 120 millones de copias en todo el mundo.