sábado, 31 de octubre de 2020

George Harrison

 

George Harrison (Liverpool, 25 de febrero de 1943-Los Ángeles, 29 de noviembre de 2001) fue un músico multiinstrumentista, compositor, cantautor, productor musical, productor cinematográfico, actor, filántropo y activista pacifista y ecologista británico, guitarrista y cantante de la banda de rock The Beatles. Aunque John Lennon y Paul McCartney fueron los principales compositores dentro del grupo, Harrison también incluyó composiciones propias en los discos de The Beatles, tales como «I Need You», «Taxman», «I Me Mine», «Within You Without You», «Old Brown Shoe», «While My Guitar Gently Weeps», «Something» y «Here Comes the Sun».

Las influencias musicales más tempranas de Harrison incluyeron músicos como Big Bill Broonzy, Chet Atkins, Chuck Berry, Ry Cooder y Buddy Holly. En 1965, fue pionero en introducir música hindú en occidente a través de instrumentos como el sitar, que tocó en canciones como «Norwegian Wood (This Bird Has Flown)» y «Within You Without You». Harrison tuvo también un especial interés por la cultura y religión hindú a través del movimiento Hare Krishna e introdujo a sus compañeros de The Beatles a la filosofía oriental a través del maharishi Mahesh Yogi, determinante en la evolución musical del grupo desde la grabación de The White Album (1968).

Tras la disolución de The Beatles, Harrison publicó All Things Must Pass (1970), el primer álbum de un beatle en solitario que alcanzó el primer puesto en la lista Billboard 200. Este álbum contó con la participación de varios músicos, entre ellos Ringo Starr a la batería y Eric Clapton a la guitarra. La producción estuvo a cargo del mismo George Harrison y Phil Spector, quien trabajó junto a los Beatles en el álbum Let It Be. También organizó, con Ravi Shankar, The Concert for Bangla Desh (1971), el primer concierto benéfico de la historia de la música rock y precursor de eventos benéficos como Live Aid. A lo largo de su carrera obtuvo varios éxitos musicales con sencillos como «My Sweet Lord», «What is Life», «Give Me Love (Give Me Peace on Earth)» y «Got My Mind Set on You», participó como guitarrista en grabaciones de una larga lista de músicos y grupos como Badfinger, Ronnie Wood, Billy Preston y Eric Clapton, y cofundó con Bob Dylan, Jeff Lynne, Roy Orbison y Tom Petty el supergrupo Traveling Wilburys. Su trayectoria musical ha sido reconocida con varios premios: entró en el Salón de la Fama del Rock and Roll de forma póstuma en 2006, y la revista Rolling Stone lo situó en el puesto 11 de la lista de los cien guitarristas más grandes de todos los tiempos.

De forma paralela a su trabajo como músico, Harrison también trabajó como productor musical y cinematográfico. En 1974 fundó Dark Horse Records, un sello independiente bajo el que publicó sus discos desde Thirty Three & 1/3 (1976) hasta Brainwashed (2001), y creó HandMade Films, una productora que financió largometrajes como La vida de Brian y Time Bandits.

Harrison contrajo matrimonio en dos ocasiones: con Pattie Boyd, de quien se divorció en 1977, y con Olivia Trinidad Arias, con quien tuvo su primer y único hijo, Dhani. En noviembre de 2001, Harrison falleció a los 58 años tras sufrir un cáncer de pulmón, y sus cenizas fueron esparcidas en una ceremonia privada en los ríos Ganges y Yamuna.

viernes, 30 de octubre de 2020

KoЯn

 

Korn (estilizado KoЯn) es una banda estadounidense de nu-metal de Bakersfield, California, Estados Unidos formada en 1993. Son considerados los pioneros del género nu metal junto con Deftones. Como otras bandas de la época, fueron los que inspiraron a muchas de las bandas de nu metal y metal alternativo entre los años 1990 y comienzos del 2000.

El catálogo de la banda consiste de diez debuts consecutivos en el top ten del Billboard 200, incluyendo un álbum recopilatorio, Greatest Hits Vol.1, y su Korn The Path Of Totality décimo álbum de estudio, publicado el 6 de diciembre de 2011. Hasta la fecha, Korn ha vendido más de 50 millones de álbumes mundialmente, incluyendo 19,5 en los Estados Unidos, mientras que han obtenido siete nominaciones a los premios Grammy, dos de los cuales han ganado.

Korn se formó cuando Jonathan Davis lideraba en aquel momento una banda local llamada Sexart, mientras trabajaba como ayudante de forense en Bakersfield, California. LAPD era el grupo en el que estaban James "Munky" Shaffer, David Silveria, Reginald "Fieldy" Arvizu y Brian "Head" Welch. LAPD eran aparentemente más conocidos que Sexart y aún puede encontrarse algún trabajo del grupo. Munky, Fieldy, y David grabaron el disco debut de LAPD cuando apenas llegaban a la mayoría de edad, y en él pueden oírse partes de actuales canciones de Korn. Jonathan, en cambio, permaneció en Sexart cuatro meses.

Ambas agrupaciones se encontraron por única vez cuando Munky y Brian salieron una noche por Bakersfield a tomar algo y se toparon con los miembros de Sexart, quienes estaban tocando esa noche en ese local. Según Munky: «Ya nos íbamos, y cuando ya estábamos casi cruzando la puerta ¡oímos a John cantar y Brian y yo nos miramos con la boca abierta! ¡Oh, Dios! Así que nos dimos la vuelta, nos sentamos otra vez y vimos la actuación completa».

Esperaron pacientemente a que el grupo finalizara su actuación y hablaron con Jonathan, ex compañero de instituto de ambos. Después de charlar un rato le ofrecieron el papel de cantante en un grupo de heavy metal que estaban creando en Huntington Beach. Inicialmente, Jonathan rechazó la propuesta, pero hubo algo que le hizo cambiar de opinión. Días más tarde visitó a una tía suya, dedicada a la astrología. Esta le convenció para que aceptara la oferta. La profecía familiar se convirtió en una obsesión para Jonathan, que no paraba de dar vueltas al asunto. Así que fue a ver a los chicos e hizo una prueba.

El grupo, ya como Korn, consiguió los servicios de un mánager que les asesorara en el mundo de la industria musical, pese a que los jóvenes miembros ya tenían algo de experiencia. Comenzaron a presentar y grabar maquetas y dar algunos conciertos a nivel local, presentando una música innovadora, agresiva, dura y mezclando sonidos como el rap y el metal a la vez que utilizaban guitarras de 7 cuerdas, que pronto llamó la atención del público, industria e imitadores. Aquel original sonido era una evolución natural de bandas como Rage Against the Machine o Red Hot Chili Peppers, bandas que mezclaban algo de heavy metal con rap. En 1988 nacieron como banda los californianos Deftones, y un año más tarde de la creación de Korn otro grupo saltó al panorama musical de este nuevo sonido metal, Limp Bizkit, quienes abanderarían, junto con Deftones y los propios Korn, el nu metal, que comenzó a gestarse a inicios de los años 1990.

Tras dos años de giras ficharon con Immortal (subdivisión perteneciente a Epic Records) para grabar su primer álbum de estudio. La banda comenzó la grabación en los estudios Indigo Ranch, de Malibu Hills, California, para grabar su álbum debut, Korn, lanzado en octubre de 1994. Shaffer y Welch tocaban guitarras de 7 cuerdas, y Davis cantaba experiencias de su oscura y problemática adolescencia. La banda debutó también con buen pie, al igual que su disco debut (se han vendido más de un millón de copias) tocando en el Ozzfest, y que incluía conciertos junto a grupos como Ozzy Osbourne, Megadeth y Marilyn Manson.

Para promocionar su segundo álbum, Korn se convirtió en el primer grupo de música en lanzarse a publicitar su nuevo disco a través de Internet mediante emisoras interactivas de radio, donde ofrecían a los seguidores la posibilidad de preguntarles directamente e incluso el adelanto de algunas canciones. En verano de 1996 salió a la venta Life is Peachy. El disco llegaría a platino, y la banda se aventuraba en otro largo período de giras y conciertos; sin embargo Davis y los suyos tuvieron que reducir sus fechas a la mitad, ya que Shaffer contrajo una meningitis y más tarde, ya en 1998, tuvieron que cancelar su actuación en el Ozzfest por el nacimiento del hijo de Welch.

Korn decidió tomarse un descanso tras cinco años de giras, conciertos y grabaciones. Sin embargo, una noticia inesperada los hizo reaccionar inmediatamente: un chico era expulsado de su instituto, en Míchigan, por llevar una camiseta de Korn. La banda intervino y consiguió que el chico fuera readmitido. Continuaba, además, visitando las emisoras de radio de Internet informando a los seguidores sobre las noticias del grupo y las novedades en cuanto a grabación de nuevos discos. También incluyeron visitas de artistas invitados del movimiento del metal como Limp Bizkit y Rammstein, y el rapero Ice Cube. El año se completó con la creación de su propio sello discográfico, Elementree. Poco después, la prensa se cebó con el grupo debido a un multimillonario acuerdo que les ligaba a la marca Puma, abandonando su anterior fidelidad a Adidas.

En 1998 su tercer álbum, Follow the Leader, sale al mercado, alcanzando el número uno del Billboard y cosechando muy buenas críticas. La banda tuvo también detalle con un chico enfermo de cáncer terminal, que pidió a través de la fundación Make a Wish que le dejaran conocer al grupo. Las canciones que destacan en este álbum son: "Freak On a Leash", "Got the Life" y "Children of the Korn", cantada con el rapero Ice Cube.

En 1999 la banda publica Issues, disco que se va alejando poco a poco de sus influencias del rap e introduciendo sonidos más oscuros. En este disco Jonathan Davis deja de lado definitivamente sus gritos guturales por una voz mucho más clara. Issues consiguió cuatro discos de platino y tocar con bandas como Limp Bizkit o Deftones.

En el año 1998, los chicos de Korn crearon el festival de rap y metal llamado The Family Values Tour. En 2002 sacan el disco "Untouchables". En el año 2003 lanzan "Take a Look in the Mirror", un disco que intenta tímidamente volver a su sonido original. En febrero de 2005, Brian Welch toma la decisión de dejar el grupo para dedicarse a su fe y a su hija, tras 12 años y seis álbumes de estudio grabados.

Una lista de MTV MTV's Top 22 Greatest Bands posiciona a la banda en el puesto 16 de su lista superando a bandas como Alice in Chains y Van Halen.

jueves, 29 de octubre de 2020

Cruks en Karnak

 

Cruks en Karnak fue una banda ecuatoriana de rock en español y blues. Se inició en la ciudad de Quito por los hermanos de origen argentino-ecuatoriano Sergio y Andrés Sacoto, en el año 1989. En el 2007 la banda se disolvió, dando su concierto de despedida en el parque Itchimbía de su ciudad de origen.

También conocidos como Los Cruks, se caracterizaron por ser una banda que desde el principio intentó rescatar valores de la cultura local y regional, fusionando el rock con géneros tan diversos como el pop, la música afro-latina, el funk, el folklore latinoamericano, entre muchas otras formas de expresión musical, logrando un sonido característico.

Tuvieron gran fama nacional y trascendieron el ámbito internacional al ser de las primeras bandas ecuatorianas en publicar un video musical en la cadena MTV con el tema "Como camina" , que tuvo gran aceptación en toda la región.

Su nombre no tiene una significación concreta y se debe más bien al azar. Según una entrevista que Sergio Sacoto ofrece a la Revista Rolling Stone, el nombre nace debido a que la banda no tenía un nombre formal al inicio y al solicitarles un nombre para presentarles sobre el escenario, buscaron en una enciclopedia Barsa un tema al azar y apareció el nombre del científico William Crookes, inventor de la luz fluorescente y premio Nobel de Química en 1907 y al abrir nuevamente una página de dicha enciclopedia al azar apareció el nombre de la ciudad egipcia de Karnak. Se les ocurrió que el nombre de la banda podría ser una referencia a una supuesta expedición de William Crookes en Karnak, por lo que posteriormente fue cambiada por el nombre de Cruks en Karnak, con la finalidad de acortar el nombre y adaptarlo al español puro.

En sus inicios, en 1989, la banda estaba integrada únicamente por Pablo Santacruz, Esteban Rivadeneira, Sergio y Andrés Sacoto. Como toda banda local, se inició tocando en bares y lugares públicos de la ciudad. No fue si no hasta 1991 que lograron colocarse en las radios quiteñas con su primer sencillo "La Caperuza", una adaptación basada en el cuento de la Caperucita Roja; con este trabajo, logran convertirse oficialmente en una banda profesional.

En 1993 lanzaron su primer EP Tu Culpa, con el sello Fediscos, que tuvo una gran repercusión a nivel local. Fue un disco en formato de vinilo EP 12" con cuatro canciones compuestas por Sergio Sacoto.

En 1994 se integra a la banda el guitarrista lojano Hittar Cuesta; y con este aporte gigante, la discográfica Sony Music graba el disco autotitulado Cruks en Karnak en 1996, lo cual catapulta a la banda como una de las más representativas del rock ecuatoriano de los años noventas, junto a otras bandas tales como Tercer Mundo, Sal y Mileto, La Trifulka, Sobrepeso, Basca y Bajo Sueños. Sin lugar a dudas, este disco se ha convertido en un clásico del rock ecuatoriano. Aquí podemos encontrar a unos jóvenes Cruks en busca de afianzarse musicalmente, un debut muy poderoso donde tempranamente encontraron su madurez musical, su estilo y sello personal. La capacidad vocal y expresiva de Sergio Sacoto, la sincronización instrumental, la fusión de ritmos y la maestría de Hittar en la guitarra hicieron de este disco uno de los mejores discos de rock del Ecuador.

El tercer álbum de la banda, y la segunda producción musical con el sello de Sony Music, fue La Dimensión del Cuy y se grabó en Argentina en 1998; bajo la dirección del conocido productor Mario Breuer en los estudios de Psiqueros Records. El nombre del disco se lo debe al sentimiento de aprecio de la banda por su país, Ecuador, en donde se menciona al cuy como animal que se convierte en un símbolo de la identidad ecuatoriana. En la portada del disco se puede apreciar la sombra de una persona que se perfila en la tierra en un atardecer rojizo como los son únicos en el Ecuador, teniendo en la parte posterior de la portada del disco la leyenda "Bienvenidos a la tierra de la gente sin sombra" lo cual es una clara alusión poética a la gente que vive en el Ecuador ubicado en la mitad del mundo, en donde se quiere decir que el sol pega de frente desde el cénit. En el disco se aprecia la cabeza de un cuy con la inscripción que dice "un cuy", con el diseño de las monedas de un sucre que fue hasta el año de 1999 la moneda oficial del Ecuador. Entre los temas que obtuvieron mayor difusión en las emisoras radiales se encuentran "Baila en el templo" y "Tira y afloja". Luego de grabar este álbum, el guitarrista Hittar Cuesta deja el grupo para fundar la banda Falc.

Las desventuras de Cruks en Karnak es el cuarto álbum de la banda se grabó en el año 2003 en un estudio de la banda, siendo de producción independiente. Este disco ha sido uno de los que más ventas ha llegado a tener en la historia del rock ecuatoriano, llegando a sobrepasar las 25.000 copias de discos vendidos, convirtiéndose en disco de platino en el Ecuador. El nombre del disco nace de la apreciación de Sergio Sacoto acerca de los temas que están incluidos en el disco, mostrando un enfoque de la vida desde diversas perspectivas: el amor, el desamor, el olvido, los problemas cotidianos, las emociones, problemas existenciales y filosóficos, en fin, toda clase de desventuras por las que la gente tiene que pasar en su día a día. La portada del disco contiene a un dibujo de tipo cómic que sugiere a William Crookes (científico que dio nombre a la banda) vestido de un arqueólogo aventurero en un fondo que, por su arquitectura, da la apariencia de ser una ciudad de Egipto, sugieriendo ser la ciudad de Karnak que también fue la que dio nombre a la banda. Esta portada es la fiel significación de lo que literalmente significa el disco "Las desventuras de William Crookes en la ciudad de Karnak". Varios temas de este CD fueron ampliamente exitosos comercialmente y contaron con una buena difusión por las emisoras de radio del país como "El Aguajal", "Ándate a Cancún" y "Uno vuelve".

El quinto álbum de la banda se graba en 2004 como una muestra de gratitud hacia el público que le brindó su apoyo desde sus inicios en 1989 (15 años de trayectoria artística) y desde la grabación de su primer disco en el año 1991 (13 años desde ese entonces hasta el 2004) y para afianzar su estilo musical. El álbum esta compuesto por diversos géneros musicales. Para este álbum participaron: Sergio Sacoto Arias (vocalista), Andrés Sacoto Arias (bajista), Pablo Estrella (guitarrista) y Pablo Santacruz (tecladista). Según una entrevista concedida a Diario El Universo, Sergio Sacoto manifestó que: “Es un disco en el que es muy evidente la depuración a nivel interpretativo y a nivel lírico”, “Hay cumbias, salsa, flamenco, bolero, influencias tangueras. De todos esos géneros investigamos para que queden como resultado esas fusiones y el estilo que caracteriza a los Cruks”. El disco se grabó en Quito y se masterizó en el estudio Circo Beat del intérprete Fito Páez en Argentina. Contiene 16 canciones, todas compuestas por Sergio Sacoto Arias.

Luego de este álbum y para el año 2006, fueron invitados a la Copa Mundial de Fútbol en Alemania, para dar una serie de conciertos durante el evento deportivo.

En el 2007 la banda decide separarse debido al último momento de la humanidad para Cruks en Karnak. Para ello se grabó el sexto y último disco oficial en el álbum de despedida lanzado por los Cruks en Karnak. En sí, se trata de un álbum de covers de sus propias canciones; o un álbum de nuevas versiones de algunos de sus temas más exitosos, como por ejemplo: 'Al borde del fracaso', 'Haciéndose Aire', 'El Aguajal', 'Como Camina', 'Tira y Afloja', etc, todos ellos con nuevos arreglos y el sello propio de la última etapa de la banda en su despedida, además de la inclusión de un nuevo tema 'Que te me vas'. Todos estos temas fueron interpretados por su última formación como banda: Sergio Sacoto, Andrés Sacoto, Pablo Santacruz y Pablo Estrella. Con este álbum se cerró un ciclo de una de las bandas más exitosas del Ecuador. A decir de la crítica, nunca antes una banda de rock ecuatoriana tuvo tanta trascendencia a nivel nacional. Luego de su lanzamiento se realizó una gira, dando su último concierto y su concierto de despedida en el Parque Itchimbía de la ciudad donde inició la banda, Quito.

miércoles, 28 de octubre de 2020

Pink Floyd [Parte 2]

 

La siguiente publicación, Meddle (1971), terminó por cimentar el rumbo que tomaría la banda hacia el Rock progresivo. La canción «Echoes», de 23 minutos de duración, fue descrita por Waters como un «poema sónico» debido a sus constantes efectos de sonido, y está considerada como una de sus mejores piezas, pues contiene largos y enervantes lapsos instrumentales que demuestran cabalmente el talento de Gilmour en la guitarra, de Mason en la batería y de Wright con el Órgano Hammond . En este sentido, se dejó de lado la orquesta que tanto protagonismo tuvo en Atom Heart Mother para dar paso a las improvisaciones y experimentación de estudio. Poco tiempo antes del lanzamiento de este álbum en 1971, la banda afirmó en una entrevista que para este entonces la calidad y sonido de sus presentaciones no tenían ningún secreto (como los que afirmaban que requerían una gran cantidad de ingenieros de sonido), más que los 4 instrumentos que cada uno de ellos dominaba. Meddle alcanzó el tercer puesto en el Reino Unido, pero la falta de publicidad por parte de Capitol Records en los Estados Unidos hizo que en este país solo alcanzase el 70.º.

El siguiente trabajo de la banda fue Obscured by Clouds (1972), grabado en Francia, y que conformó la banda sonora de la película El valle de Barbet Schroeder. Se convirtió en el primer top 50 para Pink Floyd en los EE. UU., además de alcanzar el sexto lugar en el Reino Unido. La letra de la canción «Free Four» fue la primera referencia en una canción a la muerte del padre de Waters en la Segunda Guerra Mundial, un tema que se estableció como recurrente en posteriores trabajos. Además, la canción «Childhood's End» fue la última contribución lírica de Gilmour en quince años, y está basada en el libro del mismo nombre de Arthur C. Clarke. Estilísticamente, es un álbum ligeramente distinto a su antecesor, Meddle, con canciones más cortas y con la reducción del uso de efectos sonoros para la creación de atmósferas, rozando en muchos casos el blues rock, el folk rock o el soft rock.

Durante esta época, Pink Floyd se distanció de la psicodelia y se convirtió en una banda difícil de clasificar. Los distintos estilos de cada uno de los compositores confluyeron en uno único, que cristalizó en las dos obras más importantes de su discografía, para crítica y público: The Dark Side of the Moon (1973) y Wish You Were Here (1975). En ambas obras, Gilmour se convirtió en el principal vocalista de la formación, mientras que los coros femeninos y el saxofón de Dick Parry adquirieron especial relevancia. Esta época se convirtió en el cénit creativo de la banda, pues tanto en Dark Side como en Wish you Were Here los 4 miembros llevaron a cabo la composición de grandes canciones como Time, en cuya creación hasta Mason se vio involucrado. Según Gilmour, existía una especie de "consenso" entre los 4 en que Waters era el principal escritor de las canciones mientras que la composición musical recaía principalmente en Wright y él.

La publicación del superéxito The Dark Side of the Moon en 1973 marcó un antes y un después en la popularidad de la banda. Pink Floyd había dejado de editar sencillos desde 1968, cuando se publicó «Point Me at the Sky»; sin embargo, «Money» rompió esta tendencia y alcanzó el vigésimo puesto en los EE. UU. Por su parte, el álbum se convirtió en el primer número uno de la banda en este país, convirtiéndose en uno de los más vendidos en la historia de los Estados Unidos al sobrepasar los quince millones de copias, y uno de los más vendidos en todo el mundo, con más de cuarenta millones. Además, permaneció en el Billboard 200 durante 741 semanas, récord en aquel momento, incluyendo 591 consecutivas desde 1976 hasta 1988, lo que significó otro récord; se estima que alrededor de una de cada cuatro familias británicas posee una copia del disco en alguno de sus formatos. También se mantuvo en las listas británicas durante 301 semanas, aunque nunca superó el segundo lugar. Puede catalogarse como el primer álbum plenamente conceptual desarrollado por la banda, en que se abordan temas como el significado de vivir (Breathe), el estrés cotidiano (On the Run), el irremediable paso del tiempo (Time), y la muerte (The Great Gig in the Sky). En este álbum el saxofón adquiere un papel muy importante, expresando las influencias del jazz, especialmente visibles en Wright, lo cual, junto con el protagonismo del coro femenino, ayuda a diversificar la textura del álbum. A lo largo de este se escuchan varias veces extractos de entrevistas a algunos ayudantes del grupo reproducidas de fondo. Las letras y el sonido del álbum intentan describir de algún modo las presiones que sufre el ser humano a lo largo de su existencia. Su portada, que representa en un prisma el fenómeno de la dispersión de la luz, fue ideada por Storm Thorgerson y Audrey Powell.

Wish You Were Here, publicado en 1975, trata acerca de la ausencia de sentimientos humanos en el mundo de la industria musical, y también de la añoranza del antiguo miembro del grupo Syd Barrett. Conocido principalmente por el tema homónimo, el disco contiene también una extensa canción de 26 minutos dividida en nueve partes y dos pistas titulada «Shine on You Crazy Diamond», un tributo a Barrett en el cual la letra trata expresamente de las consecuencias de su salida del grupo. Muchas de las pasadas influencias de la banda fueron mezcladas en esta canción, que termina con una referencia a uno de los primeros sencillos de la discografía de Pink Floyd, «See Emily Play». El resto de canciones, «Welcome to the Machine» y «Have a Cigar» (cantada por Roy Harper), exhiben, como se dice, una fuerte crítica a la industrialización de la música. Wish You Were Here fue el primer álbum en alcanzar el primer puesto en el Reino Unido y en los EE. UU., y fue igual de alabado por la crítica que The Dark Side of the Moon.

Durante las grabaciones del disco Wish You Were Here se produjo una anécdota famosa para la banda: alguien, por alguna extraña razón, le dijo a Syd Barrett que asistiera a los estudios Abbey Road porque Pink Floyd estaba grabando un nuevo disco. El 5 de junio de 1975 un hombre gordo, con la cabeza y las cejas completamente afeitadas, llegó al estudio Abbey Road mientras los integrantes del grupo estaban mezclando «Shine on You Crazy Diamond». Nadie fue capaz de reconocerlo, hasta que de repente uno de ellos se dio cuenta de que era el mismísimo Syd Barrett. Preguntado por su extraña gordura, Barrett dijo que había estado comiendo demasiadas chuletas de cerdo.

Con la publicación de Animals en enero de 1977, la música de la banda comenzó a ser criticada por parte de los seguidores del punk rock por haberse convertido en demasiado pretenciosa, al haber perdido de vista la simplicidad del rock and roll. Sin embargo, Animals está considerado como un trabajo más guitarrero que los anteriores, en parte debido a la influencia del emergente movimiento punk y al hecho de que fue grabado en los nuevos estudios de Pink Floyd, Britannia Row. Fue el primer disco que no incluyó ninguna composición de Rick Wright, y alcanzó el segundo puesto en el Reino Unido y el tercero en los EE. UU. Como en muchos de sus antecesores, Animals posee varias canciones relacionadas entre sí por un mismo tema, en este caso inspirado en la novela Rebelión en la granja de George Orwell. En el disco, las canciones «Sheep», «Pigs» o «Dogs» se emplean como metáforas de la sociedad contemporánea. En esta metáfora, los perros («Dogs») son los mandamases de la industria, los cerdos («Pigs») representan a la clase política británica de entonces, aludiendo indirectamente a figuras como la de Margaret Thatcher, y las ovejas («Sheep») representan al resto de habitantes, que se dejan llevar por los perros y los cerdos sin rebelarse. A pesar del protagonismo de la guitarra, los teclados y sintetizadores aún juegan un papel importante en Animals, pero el característico saxofón de Dick Parry y los coros femeninos desaparecieron de las composiciones. Muchos críticos no respondieron bien al álbum, calificándolo como «tedioso» y «sombrío». La portada del álbum presenta a un cerdo inflable, al que los miembros de la banda le pusieron de nombre «Algie», sobrevolando las chimeneas de la Battersea Power Station de Londres. Sin embargo, el viento que estaba soplando el día en que se tomó la fotografía complicó el control del globo, y hubo que superponer la foto del cerdo y la de la estación eléctrica mediante un montaje fotográfico. Este cerdo se convirtió en uno de los símbolos de la banda, y permaneció como una parte más de los espectáculos en directo del grupo.

martes, 27 de octubre de 2020

Los Iracundos [Parte 2]

 

En los años 1970 reafirman su popularidad con varios discos de oro, por temas como: Va cayendo una lágrima, Te lo pido de rodillas, Y te has quedado sola, Chiquilina, Soy un mamarracho, Río verde, Infidelidad es tu traición, Marionetas de cartón, Cada noche mía, Me estás matando, Y me quedé en el bar, Tú me diste amor, Pasión y vida. En 1972 Los Iracundos vivieron una experiencia muy aplaudida: fue la primera vez que la banda uruguaya fue al Festival de Viña del Mar como invitados.

Sacando un álbum por año, y en algunos casos dos, es de resaltar que en esta década el grupo deja las composiciones italianas y empieza a grabar con temas de la autoría de sus integrantes, con un estilo propio. Así también se editan un total de seis álbumes con temas instrumentales, entre ellos Tango joven, donde graban temas del repertorio tanguero, entre ellas Eduardo Franco interpreta El último café. También grabaron varios EP, mini plays y discos de 45. Entre ellos está el mini play Los Iracundos para niños con cuatro temas como Pedimos pido, La mala palabra, Pepito Agustín y Pedrito el mentiroso.

A comienzos de la década de 1980, hacen una aparición en la película "Locos por la música", junto a otros músicos, aportando su éxito, "Esa esquina". En 1981 lanzan su disco de oro, Tormenta de verano, en 1982, Cuarenta grados, cuyo tema principal se grabó también en portugués por varios grupos de la época. Igualmente el grupo graba un disco de 45 rpm con dos canciones en portugués (Pasión y vida - Tú me diste amor, tú me diste fe) para ser distribuidos en el mercado brasileño.

En 1984 lanzan uno de sus hits más exitosos internacionalmente, "Tú con él", de la autoría de Eduardo Franco, en el álbum del mismo nombre y donde también se encuentra el tema "Las puertas del olvido" que llegó a ser un éxito también en Estados Unidos y buena parte de América.

En 1985, tras su retiro de la disquera RCA Argentina, donde permanecieron más de 20 años, se edita un disco recopilatorio con cinco temas inéditos: "Tu por aquí", "Chocar la misma pared", "Adiós, borrón y cuenta nueva", "No quiero un beso" y "Tú y yo, de igual a igual".

El 20 de marzo de 1985 hizo una gran gira por Bolivia producida por el bajista Hugo Burgueño visitando a los departamentos de Santa cruz, Tarija, El Beni, Cochabamba. Participaron en muchos evento y festivales, como festival de la canción en Calama (Chile).

Para 1986 el grupo había alcanzado fama mundial, con giras exitosas, lanzando su álbum "Iracundos 86", ya bajo el sello Microfon Argentina (Micsa), con composiciones como "o Me voy o me quedo" y "Pedazos de papel" y posteriormente editan la "Historia de Los Iracundos" un disco único en su contenido con todas las canciones clásicas de su carrera producido por "Eduardo Franco y Hugo Burgueño". Debido a problemas internos se retira del grupo Hugo Burgueño en plena gira en los Estados Unidos.

En 1987, los 5 miembros restantes, sacan un nuevo álbum, con la denominación "Eduardo Franco y sus Iracundos de siempre" con nuevos temas, que alcanza un éxito relativo con los temas "Por que me hiciste trampa" y "Dime quien" que sonó tiempo después.

El 3 de abril de 1988, Eduardo Franco hace su última actuación en vivo en su tierra natal Paysandú, Uruguay en "La fiesta de la cerveza". En el mes de junio de ese mismo año se presenta en varias ciudades de Perú, entre ellas destacan tres presentaciones en el Satchmo Jazz Bar y en el coliseo "Amauta" de la ciudad de Lima, siendo su última visita a dicho país.

El 1 de febrero de 1989, Eduardo Franco falleció en Paysandú, luego de padecer por varios años la enfermedad de Hodgkin.

lunes, 26 de octubre de 2020

Jethro Tull

 

Jethro Tull es una banda de rock progresivo británica que se formó a finales de 1967 y sigue aún en activo, lo que la convierte en una de las agrupaciones de rock más longevas. Siempre ha sido liderada por el cantante y flautista escocés Ian Anderson, autor de prácticamente todas las canciones del grupo, y de hecho sus músicos se comportan como su apoyo, dado que es el único que ha permanecido desde su nacimiento; solamente el guitarrista Martin Barre se le acerca, estando desde el segundo álbum.

La banda logró mucha popularidad en la primera mitad de los años setenta con álbumes emblemáticos en la historia del rock como Aqualung y Thick as a Brick, y con el tiempo llegó a convertirse en un grupo de culto. Jethro Tull fue la primera banda en recibir un premio en los años 1970 por vender más entradas en el Madison Square Garden (Nueva York) que ningún otro grupo, generalmente teniendo que añadir un cuarto show en sus visitas dada la altísima demanda.

Su música, encuadrada en el rock progresivo, constituye una mezcla muy original de blues, folk inglés y hard rock, con pinceladas de música barroca, música medieval inglesa e incluso renacentista. El grupo desarrolla además una vertiente dedicada a originales canciones acústicas de difícil clasificación. En su sonido, destaca de forma particular la flauta de Ian Anderson, tocada de una forma magistral, que ha sido y sigue constituyendo una de las inconfundibles características del sonido de Jehtro Tull, así como el sonido desgarrado de la guitarra eléctrica de Martin Barre.

Durante algunos años, el grupo incluyó dos brillantes teclistas conjuntamente, con lo que obtuvo un sonido de particular colorido y dimensión: los maestros John Evan y David Palmer. Este último realizaba además los arreglos orquestales. La participación del sobresaliente bajista y cantante John Glascock, -fallecido en 1979- dotó a la banda de una tímbrica muy personal, con una segunda voz y un excelente apoyo vocal y armónico. La formación también ha utilizado una gran variedad de instrumentos, en su mayoría tocados por el propio Ian Anderson, como el laúd, la mandolina, la balalaica, el saxofón, la armónica, la gaita, el acordeón y diversas clases de flautas. Salvo contadas excepciones, todos los temas interpretados por el grupo han sido compuestos por Ian Anderson, auténtico líder y factótum del grupo. Anderson es un personaje camaleónico, tanto en su aspecto como en su capacidad para reinventar continuamente su propia música, lo cual ha permitido a Jethro Tull mantenerse joven a pesar de los años.

sábado, 24 de octubre de 2020

Green Day


Green Day es una banda estadounidense de pop punk y punk rock integrada inicialmente por tres miembros: Billie Joe Armstrong (guitarra y voz), Mike Dirnt (bajo y coros) y Tré Cool (batería y coros).

El grupo originario de Berkeley, California, se gestó prematuramente en 1986 bajo el nombre de Sweet Children, con el baterista John Kiffmeyer (más conocido como Al Sobrante). En 1989 se cambiaron al nombre actual ya que el anterior (Sweet Children) se confundía con el de una banda local de esa época y poco después del lanzamiento de su primer álbum de estudio (39/Smooth), Tré Cool reemplazó a Al Sobrante.

Fue uno de los grupos que nacieron en el club 924 Gilman Street, sitio que frecuentaban bandas de punk rock locales. Sus primeras publicaciones se realizaron por medio del sello discográfico independiente Lookout!, gracias a las exitosas ventas de sus primeros trabajos discográficos, se obtuvo una importante cantidad de admiradores. Algunos años después, en 1994 el conjunto firmó con Reprise Records, con este sello lanzaron el aclamado Dookie. Con este nuevo álbum el grupo musical llevó el sonido de finales de la década de 1970 a la nueva generación, además, el álbum se convirtió en un éxito internacional y lleva vendidas más de treinta millones de copias en todo el mundo.

Green Day junto a otras bandas como The Offspring y Rancid, fueron los que produjeron el renacimiento y popularización del punk rock en los Estados Unidos, como de la cultura misma, las masivas ventas produjeron la apertura de una ola de grupos pop punk y punk rock. Diez años después muchos de esos conjuntos se encuentran inactivos o disueltos, mientras que Green Day sigue en plena vanguardia musical con las ópera rock American Idiot y 21st Century Breakdown de 2004 y 2009 respectivamente, ambas con un Premio Grammy al mejor álbum de rock. Editaron una trilogía de álbumes titulados ¡Uno!, ¡Dos! y ¡Tré!, editados en septiembre, noviembre y diciembre de 2012 respectivamente. Su álbum Revolution Radio salió a la venta el 7 de octubre de 2016. En febrero de 2020 sacan su último album titulado "Father of all..." con 10 temas producido por Butch Walker, editado por la discográfica Reprise.

El conjunto estadounidense ha vendido casi 90 millones de copias en todo el mundo y más de 25 millones solo en su país. En 2010 se estrenó una adaptación teatral del álbum American Idiot en Broadway, el musical fue nominado para Tony Awards, incluyendo Mejor Musical y Mejor Diseño Escénico, y ha recibido comentarios positivos en general. A mediados de 2011 la revista Kerrang! los nombró como el segundo grupo más influyente surgido en los últimos treinta años, solo por detrás de Metallica. Según una encuesta pública, en la publicación quincenal de Rolling Stone, se eligió a Green Day como el mejor conjunto de punk de la historia.

viernes, 23 de octubre de 2020

Pink Floyd [Parte 1]


Pink Floyd fue una banda de rock británica, fundada en Londres en 1965. Es considerada un icono cultural del siglo xx y una de las bandas más influyentes y aclamadas en la historia de la música, que obtuvo gran popularidad gracias a su música psicodélica que evolucionó hacia el rock progresivo y rock sinfónico con el paso del tiempo. Es conocida por sus canciones de alto contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Sus ventas sobrepasan los 300 millones de álbumes vendidos en todo el mundo, 97,5 millones de ellos solamente en los Estados Unidos.

Inicialmente el grupo estaba formado por el batería Nick Mason, el teclista y vocalista Richard Wright, el bajista y vocalista Roger Waters y el guitarrista y vocalista principal Syd Barrett, quien se convirtió en el primer líder de la banda. Bob Klose fue guitarrista inicialmente por un corto tiempo, pero no llegó a aparecer en ningún disco. El errático e impredecible comportamiento de Barrett, causado por el excesivo consumo de drogas, especialmente LSD, hizo que su amigo David Gilmour se integrara al grupo en diciembre de 1967 y que quedase definida la formación clásica del grupo tras la marcha de Barrett en abril de 1968.

Pink Floyd se convirtió en una de las bandas favoritas del movimiento underground, tocando en lugares como el UFO Club, el Marquee Club y The Roundhouse. A finales de 1966 la banda fue invitada a componer música para la película de Peter Whitehead, Tonite Let's All Make Love in London, y fue filmada grabando dos temas («Interstellar Overdrive» y «Nick's Boogie») en enero de 1967. Aunque aparecieron muy pocas muestras de esta música en la película, la sesión fue lanzada como London 1966/1967 en el 2005.

Dada su creciente popularidad, los miembros de la banda decidieron formar Blackhill Enterprises en octubre de 1966, en asociación con sus mánagers Peter Jenner y Andrew King, para distribuir los sencillos «Arnold Layne» en marzo de 1967 y «See Emily Play» en junio del mismo año. El primero escaló hasta el puesto 20 en la lista de éxitos del Reino Unido y el segundo llegó al número 6, dándole la oportunidad al grupo de aparecer por primera vez en la televisión nacional en el programa Top of the Pops en julio de 1967.

En 1967, después de varias sesiones instrumentales y presentaciones en vivo, Pink Floyd decidió elaborar su primer álbum, The Piper at the Gates of Dawn, que fue lanzado en agosto de 1967. El título fue extraído de la novela El viento en los sauces, de Kenneth Grahame. En la actualidad está considerado como ejemplo por antonomasia de la música psicodélica británica, además de que en su momento fue muy bien recibido por la crítica. Las pistas del disco, predominantemente escritas por Barrett, muestran letras poéticas y una ecléctica mezcla de música, desde la vanguardista «Interstellar Overdrive» hasta «The Scarecrow» (inspirada en la música folclórica de The Fens, una región rural al norte de Cambridge de donde son originarios Barrett, Gilmour y Waters). Las letras son totalmente surrealistas y a menudo folclóricas, como «The Gnome». La música reflejaba la mejor tecnología electrónica de la época, destacando el uso del paneo estéreo, la edición de cinta, los efectos de eco de cinta y el uso de teclados electrónicos, en particular el órgano Farfisa tocado por Wright. El disco fue un éxito en el Reino Unido, donde llegó al puesto número 6, pero no le fue tan bien en los Estados Unidos, en cuyas listas solo alcanzó la 131.ª posición, aunque después sería relanzado en el periodo de éxito comercial del grupo, en la década de los 70. Durante este periodo, la banda emprendió una gira con Jimi Hendrix, lo que ayudó a incrementar su popularidad.

A medida que crecía el éxito de la banda, el estrés y el consumo de drogas (especialmente de LSD) hicieron mella en la salud mental de Syd Barrett. Su conducta se volvió cada vez más impredecible, lo que afectaba a las presentaciones en público del grupo pues en muchas ocasiones Barrett era incapaz de tocar la guitarra y de siquiera cantar. Por esto, en diciembre de 1967 el grupo contactó a un músico amigo de Barrett que frecuentaba los conciertos de la banda, David Gilmour, para apoyarlo a la guitarra y cantar cuando aquel sufriera alguno de sus bloqueos mentales, aunque también se consideró la candidatura de Jeff Beck. Sin embargo, esta solución no resultó práctica y los demás integrantes simplemente dejaron de llevarlo a los conciertos. El último concierto con Barrett en el grupo fue el 20 de enero de 1968, en el muelle de Hastings.

Ya sin la presencia de Barrett en la formación, Gilmour, Waters y Wright se hicieron cargo de las riendas creativas del grupo, cada uno aportando su voz y sonido en sus nuevas producciones, pero dándole a los nuevos materiales menos consistencia que en la era Barrett. Syd Barrett había sido el intérprete principal durante los primeros años, en la época siguiente Gilmour, Wright y, especialmente, Waters se convirtieron en los principales compositores y voces dentro de la banda. Algunas de las composiciones más experimentales del grupo datan de esta época, como «A Saucerful of Secrets» —que consiste en su mayoría en ruidos, efectos sonoros, percusiones, osciladores y tape loops— o «Careful with That Axe, Eugene».

A pesar de que Barrett había escrito la mayor parte del primer álbum, solo una composición suya, «Jugband Blues», apareció en el segundo álbum de Pink Floyd. Barrett también participó en las canciones «Remember a Day» (grabado durante las sesiones de The Piper at the Gates of Dawn) y «Set the Controls for the Heart of the Sun». El nuevo disco, A Saucerful of Secrets, lanzado en junio de 1968, alcanzó el noveno lugar en el Reino Unido y se convirtió en el único disco de Pink Floyd que no entró en las listas estadounidenses. Algo irregular debido a la salida de Barrett, el álbum aún contenía mucho del sonido psicodélico que le había impreso su antiguo líder, combinado con un estilo más experimental, que alcanzaría su pleno desarrollo en Ummagumma. Es importante mencionar que "A Saucerful of Secrets", se convirtió también en el único disco de la banda que contó con la participación de los cinco integrantes. La pieza principal, de doce minutos de duración, se acerca a las épicas y lentas canciones por venir, pero el disco fue recibido fríamente por la crítica de esa época, aunque no así por los críticos actuales. Los futuros trabajos de Pink Floyd adoptarían más firmemente esta idea, enfocándose más hacia la composición a cada nuevo lanzamiento.

Poco después fueron llamados por el director Barbet Schroeder para componer la banda sonora de la película More, que se estrenaría en mayo de 1969. Sus composiciones se editaron dos meses más tarde como álbum de estudio de Pink Floyd, Music from the Film More, y consiguieron el noveno escalón en el Reino Unido y el 153.º en los EE. UU. La crítica definió este disco como irregular y accidentado. Muchas pistas de More (como usualmente lo llaman los admiradores) son canciones acústicas de folk.

El siguiente trabajo de la banda fue un álbum doble titulado Ummagumma, que está formado por un disco en directo (grabado entre Birmingham y Mánchester) y otro con temas nuevos de estudio. Cada uno de estos temas fue compuesto por uno de los miembros de la banda y ocupa la mitad de una cara de cada disco (unos 10 minutos cada uno). El título de este álbum significa «relación sexual» en la jerga de Cambridge. El disco de estudio es puramente experimental, con un largo tema de estilo folk («Grantchester Meadows», compuesta por Waters), la pianística y atonal «Sysyphus», coqueteos con el rock progresivo en «The Narrow Way» y largos solos de batería en «The Grand Vizier's Garden Party». Por último, «Several Species of Small Furry Animals Gathered Together in a Cave and Grooving with a Pict» es una canción de cinco minutos que presenta únicamente la voz de Waters cantando a diferentes velocidades, dando como resultado un sonido semejante al de pájaros y roedores. Varias de las canciones nuevas de este álbum ya habían sido interpretadas en el concierto grabado bajo el nombre de The Man/The Journey. Ummagumma fue el álbum más exitoso de la banda hasta aquel entonces, alcanzando el 5.º lugar en el Reino Unido y el 74.º en EE. UU.

Atom Heart Mother, la primera grabación de la banda con una orquesta y su siguiente álbum de estudio, contó con la colaboración del músico Ron Geesin. El nombre fue una decisión apresurada de los integrantes a partir de un artículo de prensa donde se anunciaba que una mujer con un marcapasos atómico implantado había logrado dar a luz. La portada también fue un trabajo casi improvisado; de hecho, el fotógrafo declaró que, a causa de la falta de tiempo, se había ido al campo a tomar una foto de lo primero que vio. En una cara del disco aparece una suite de rock sinfónico de 23 minutos, titulada «Atom Heart Mother», mientras que la otra presenta tres temas, cada uno de un vocalista y compositor de la formación («If», de Waters; «Fat Old Sun», de Gilmour; y «Summer '68», de Wright). Otra de las canciones, «Alan's Psychedelic Breakfast», consiste en un collage sonoro de un hombre cocinando y tomando el desayuno mientras de fondo suenan sus pensamientos acompañados de líneas instrumentales. El hombre en cuestión es Alan Styles, uno de los técnicos de sonido que la banda tenía a su servicio. Aunque el álbum fue considerado como un paso atrás de la banda y uno de sus trabajos más inaccesibles, alcanzó el puesto más alto de toda su discografía hasta ese momento, llegando al primer puesto en el Reino Unido y al 55.º en los EE. UU. Posteriormente, este trabajo sería repudiado por Gilmour, que lo calificó como «un montón de basura», y por el propio Waters, quien declaró no importarle que «lo tiraran a la basura y nadie volviera a escucharlo». La popularidad de Atom Heart Mother hizo que la banda se embarcara en su primera gira completa por los EE. UU.

Antes de editar su siguiente trabajo de estudio, la banda publicó un álbum recopilatorio, Relics, que contenía varios sencillos y caras B junto con una canción original de Waters llamada «Biding My Time», grabada durante las sesiones de Ummagumma. El grupo contribuyó a la banda sonora de la película Zabriskie Point, aunque la mayoría de sus composiciones serían finalmente descartadas por el director de la cinta, Michelangelo Antonioni.

jueves, 22 de octubre de 2020

Serú Girán

 

Serú Girán fue un supergrupo argentino de rock integrado por Charly García (voz, teclados, guitarras), David Lebón (voz, guitarras), Pedro Aznar (bajo, teclados, voz), y Oscar Moro (batería). Es considerado como uno de los mejores conjuntos de su país en su época, por su alta calidad en lo musical, conceptual y escenográfico.

Durante su primera etapa la popularidad de Serú Girán se vio confirmada en las encuestas de la clásica revista Pelo. Apodados «los Beatles criollos», hicieron masivo al rock "argentino" (compuesto, interpretado y arreglado íntegramente por músicos argentinos). Si bien no fue la primera superbanda en la historia de la música popular argentina, fue la primera en alcanzar y mantener la popularidad en su país en forma sostenida. Con récords de ventas y espectadores, el grupo consiguió fusionar varios estilos, para alcanzar un sonido muy particular, característico de esa transición entre décadas.

Pese a los problemas económicos, esta fue una etapa muy creativa y fructífera: compusieron más de quince temas, de los cuales se seleccionaron los mejores para la edición del primer disco. Las sesiones de grabación comenzaron en los estudios El Dorado de San Pablo, y culminaron en ABC Recording Studios de Los Ángeles (Estados Unidos). La primera presentación en vivo de Serú Girán tuvo lugar en el Riachuelo, a bordo de un barco anclado. Este recital ―al cual solo asistieron periodistas, músicos y amigos― tenía la finalidad de observar la respuesta de la crítica especializada. Esa noche el grupo se mostró sólido y contundente, lo que parecía, abriría las puertas del público masivo rápidamente. El debut en vivo de la banda ante el público porteño ocurrió dos semanas después, el 28 de julio de 1978, en el estadio Luna Park, en el Festival de la Fundación de la Genética Humana, junto a Nito Mestre, Pastoral, León Gieco y otros. El sonido fue muy malo y mucha gente les arrojó las pilas de los grabadores que habían llevado para registrar el momento.

Viajaron a Estados Unidos para mezclar el disco Serú Girán (1978), en el cual contaron con la colaboración de Daniel Goldberg, quien tenía a su cargo los arreglos musicales y la dirección de la orquesta de 24 músicos que participó en algunos temas como «Eiti Leda» o «Serú Girán». La complejidad armónica de este proyecto demuestra que, desde el comienzo, las ambiciones que tenían apuntaban mucho más alto que la del resto de los músicos nacionales de ese momento. El resultado final del disco los entusiasmó mucho: sonaba como una fusión de jazz rock con música brasilera. Pedro recuerda: «...cuando apareció ese álbum, la prensa le dio una importancia infernal, se creó todo un caso... había un inmovilismo total».

Un año más tarde, apareció La grasa de las capitales con un cambio en la temática sonora del disco: las canciones son más directas, los instrumentos suenan en un primer plano sin el agregado de cuerdas. Una de las canciones, «Viernes 3 AM», sería censurada durante un tiempo en las radios porque se la consideraba una canción que incitaba al suicidio. Este disco fue el que catapultó a Serú Girán como uno de los grupos más populares de la época en Argentina.

En 1980 vio la luz Bicicleta, un disco que relató con delicada y admirable exactitud la realidad argentina de una época política nada fácil bajo la dictadura: «Canción de Alicia en el país» y «Encuentro con el diablo» son las canciones que mejor exponen aquella realidad social. En «Canción de Alicia en el país», García pinta de cuerpo entero la realidad argentina, mediante metáforas que los censores no llegaron a captar. «Bicicleta» también contiene la nostalgia de Charly García en composiciones como «A los jóvenes de ayer» y «Mientras miro las nuevas olas». Años más tarde se recordaría el tercer disco de Serú Girán como lo mejor de la agrupación, llegándoselo incluso a comparar con Abbey Road, el transformador duodécimo LP de los Beatles

Peperina, el cuarto disco de Serú Girán, que se había empezado a grabar en abril, fue lanzado para fines de ese año. El disco fue marcado por las excelentes e impecables composiciones, como Llorando en el espejo, Esperando nacer, Cinema verité, Salir de la melancolía y Peperina. La historia de Peperina es conocida: «Quiero contarles una buena historia / la de una chica que vivió la euforia / de ser parte del rock / tomando té de peperina». El tema trata acerca de una señorita que escribía notas de rock en Córdoba. Siempre que Serú tocaba en esa ciudad, ella calificaba la presentación como «un bochorno». De más está decir que, pese a sus defenestrantes críticas, los estadios se llenaban. Se dice que cuando escuchó «su» tema por primera vez, acotó que Serú Girán seguía sin gustarle, pero que García era «un buen sociólogo».

En enero de 1982 Aznar fue convocado por el guitarrista estadounidense Pat Metheny para incorporarse a su banda. Acordaron encontrarse en Estados Unidos, ya que Pedro viajaría al año siguiente para estudiar en la Universidad de Berklee. Este hecho marcaría el final de la banda.

El disco No llores por mí, Argentina (1982) terminó siendo una recopilación en vivo de los éxitos más importantes de la banda, con la excepción del tema homónimo y «Popotitos», una versión del clásico tema.

«No llores por mí, Argentina» es un tema fuerte, que marca una especie de resumen de época, una suerte de balance ―se debe notar que fue compuesto en 1982, en los albores de la Guerra de Malvinas, la caída de la Junta Militar y el posterior advenimiento de la democracia― en un tono de protesta y reproche a la vez, un estilo que tanto rédito le daría a García en los años posteriores.

Muchos años y trabajos solistas debieron pasar hasta que Serú Girán se hiciera presente otra vez. Desde mediados de 1991 se comenzó a manejar la posibilidad del retorno de Serú. «Se trata de superar un recuerdo ―reflexionaba García por aquella época― Hace mucho que estamos trabajando para no perder la grandeza, para que el tipo que alguna vez vio a Serú Girán lo vuelva a ver y no se decepcione y para que los chicos que no lo vieron tengan un flash». Exactamente eso fue lo que ocurrió. En agosto de 1992, tras sortear problemas legales, García, Moro, Aznar y Lebón se reunieron para comenzar a editar Serú '92. Mucho más pop, por momentos peca de falto del compromiso característico. Este trabajo en estudio, luego de 10 años, fue galardonado antes de salir a la venta, y trae canciones como «Mundo agradable», «No puedo dejar», «A cada hombre, a cada mujer», «Transformación», «Déjame entrar», «Nos veremos otra vez» y «Si me das tu amor».

Fue un éxito comercial, con ventas que superaron las 200 000 copias y multitudinarios conciertos en Córdoba (04-12-92), Rosario (11-12-92), Montevideo (27-12-92) y dos en la Capital Federal (19-12-92 y 30-12-92), estos últimos ante más de 50 000 personas en cada uno, los cuales fueron editados en dos nuevos LP. Si bien los Serú no querían convertir su retorno en un negocio ―y menos para otros― esto no quedó totalmente al margen de sus planes. El regreso de Serú marcaba un récord impensado tiempo atrás: una banda argentina en River.

En el 2000, se editó un disco doble en vivo de la banda llamado Yo no quiero volverme tan loco, con un registro de 20 canciones, grabado en el Teatro Coliseo en la Navidad de 1981. Esta grabación fue presentada a Oscar Moro (en 1999) por un fan que la tenía registrada en un casete.

En una de las funciones que García brindó en el Teatro Gran Rex, de la serie titulada «Adiós Charly García (Don’t cry for me, Argentina)» en diciembre de 2002, Charly García invitó al escenario a Pedro Aznar y Oscar Moro. De esta manera, el 75 % de Serú Girán realizó un set de varios temas, brindó a sus seguidores la emoción de ver a casi todo Serú de nuevo en un escenario.

El baterista Oscar Moro falleció en la mañana del 11 de julio de 2006, a los 58 años de edad, en su casa del barrio porteño de Palermo, víctima de una hemorragia estomacal.

miércoles, 21 de octubre de 2020

Midnight Oil

 

Midnight Oil es una banda de rock alternativo australiana reconocida por su característico sonido hard-rock, intensas presentaciones en vivo y su abierto activismo político.

"Burning the midnight oil" significa trabajar tarde en la noche, aludiendo a una lámpara de aceite. "Smells of the midnight oil" caracteriza poesía o prosa cargada con elaboradas alusiones literarias y vocabulario metafórico.

The Oils, como los conocen sus seguidores, comenzaron como una banda de rock progresivo llamada Farm a comienzos de los 70s, luego bajo el nombre de Midnight Oil se convirtieron en un agresivo grupo de hard-rock asociado con la comunidad surfista cercana a Sídney. Una de las primeras bases de sus seguidores estaba sobre las playas al norte de Sídney, en el pub The Royal Antler en Narrabeen.

Garrett decidió dejar la banda el 2 de diciembre, 2002 para dedicarse a su carrera política. Fue elegido como Smith de Kingsford durante las elecciones federales del 2004 representando al Partido Laborista Australiano. El 29 de noviembre de 2007, el nuevo Primer Ministro Kevin Rudd (Partido Laborista Australiano) nombró a Garret Ministro de Ambiente, Cultura y Artes. Los otros miembros de la banda resolvieron continuar trabajando juntos, pero ya no como Midnight Oil, finalizando el ciclo de la banda.

Los integrantes de la banda, incluyendo a Garrett, se reunieron para participar en el concierto WaveAid el 29 de enero, 2005 con el fin de colectar fondos para las víctimas del Tsunami del 26 de diciembre de 2004 que asoló los países de la cuenca del Océano Índico nor-oriental. El concierto, tuvo lugar en el estadio de Cricket de Sídney, también contó con la participación de Powderfinger, Silverchair, Nick Cave, el trío de John Butler, the Finn Brothers y otros. Aparte de otra corta presentación anterior en el club Manly Leagues el grupo no ha vuelto a tocar.

Mediante un comunicado en su sitio oficial con fecha del 4 de mayo de 2016 la agrupación anunció gira por Australia y otros países.

martes, 20 de octubre de 2020

Los Iracundos [Parte 1]


Los Iracundos es una banda de pop rock y balada romántica originaria de la ciudad uruguaya de Paysandú. Estuvo vigente en las décadas de los años 1960 hasta los años 1980, aunque con breves reuniones de conciertos en las décadas siguientes, con algunos miembros distintos.

El grupo se formó en 1958 en Paysandú, Uruguay, y contaba con seis miembros. Inicialmente se autodenominaron los Blue Kings ya que en esa época estaban de moda los nombres en inglés; pero un profesor de música del colegio donde ellos asistían les dijo que optaran por un nombre en español, luego adoptaron el nombre de Los Iracundos, debido al ingreso a la poderosa disquera RCA VICTOR.

Eduardo Franco, 'Franco' (vocalista, compositor, arreglista), su hermano Leonardo Franco, 'Leoni' (primera guitarra), Juan Carlos Velázquez, 'Juano' (batería), Juan Bosco Zabalo, 'Bosco' (segunda guitarra), Hugo Burgueño, 'Burgues' (bajo electrónico, compositor y coros) y Jesús María Febrero, 'Febro' (teclados) fueron los seis integrantes originales del grupo.

Los Iracundos alcanzaron fama internacional a mediados de la década de 1960 con temas románticos juveniles como Calla (grabado el 31 de marzo de 1965), Y la Ciudad Duerme (lanzado el 25 de julio de 1965) Todo terminó, la Juventud, El desengaño (del disco La Juventud), La lluvia terminó, Felicidad, felicidad,Tú ya no estarás, El triunfador y Es la lluvia que cae, tema incluido en el álbum Iracundos en Roma -el más exitoso de esta década- éxitos que los llevan a incursionar, incluso, en el cine, en varias oportunidades como invitados y en una de ellas como protagonistas, en la película Este loco verano donde además interpretaban las canciones de su repertorio.

Su debut se produce el 10 de octubre de 1961, en el histórico Teatro Florencio Sánchez; en menos de dos años tenían grabado su primer simple en Montevideo, en el sello musical Clave, el cual contenía los temas Retén la noche y Madison. Además grabaron los temas A Saint Tropez y Despierta Lorenzo.

El tema Puerto Montt, composición de Eduardo Franco y Cacho Valdez, es sin duda la canción emblema del grupo, siendo grabada el 16 de octubre de 1968 en los estudios de la RCA en Argentina y presentada en el II Festival Buenos Aires de la Canción el 11 de noviembre de 1968, siendo el más recordado en el mundo de la banda.

lunes, 19 de octubre de 2020

Genesis [Parte 2]

 

En agosto de 1975, al terminar la gira de presentación del disco  The Lamb Lies Down on Broadway, Gabriel anunciaría que, por motivos personales, abandona la banda, cerrando la brillante etapa inicial. Pueden considerarse de transición los dos discos siguientes, todavía con Steve Hackett en la formación, sumados al disco en vivo grabado durante las giras de presentación de los mismos, titulado Seconds Out.

Ante rumores de separación definitiva se realizaron audiciones para reemplazar al cantante, lo cual parecía una tarea destinada al fracaso. En los ensayos de los temas compuestos para el nuevo disco, ante la ausencia de vocalista, fue el baterista y cantante ocasional de la anterior etapa, Phil Collins, quien ensayó las voces, convenciéndose el grupo de que podía ser una opción razonable, apoyado para el directo con su experiencia como actor teatral en sus años adolescentes.

La banda regresó a los estudios como un cuarteto en octubre de 1975 para comenzar su nuevo álbum. El resultado fue A Trick of the Tail, que llegó a ser número 3 en Inglaterra y número 31 en EE.UU. (el mejor puesto conseguido por un álbum de Genesis hasta entonces). El éxito confundió completamente a algunos críticos que no podían concebir a Genesis sin Peter Gabriel. Para las presentaciones en vivo, el grupo contrató a un baterista, ya que Phil Collins debía cantar. Bill Bruford, antiguo miembro de Yes y King Crimson, se unió al grupo durante unos meses en 1976, sin que la reunión llegara a cuajar más allá. Fue el baterista de Weather Report y miembro de la banda de Frank Zappa, Chester Thompson, quien llegó como batería para quedarse durante las tres siguientes décadas.

En septiembre de 1976, el grupo empezó a grabar Wind & Wuthering. El segundo disco sin Peter Gabriel salió a la venta en Estados Unidos a finales de ese año, y en la primera semana de 1977 en el Reino Unido. Esta obra y la anterior serían presentadas durante una gira que concluiría con la edición del álbum en vivo Seconds Out. Al finalizar la gira, Steve Hackett anunció su partida del grupo, considerando que su peso específico como compositor en la banda no era el adecuado, aunque manteniendo una buena relación con los demás. Esto se demostró en su primer disco en solitario en 1975, aún en paralelo a Genesis, Voyage of the Acolyte en el cual Collins y Rutherford tuvieron un papel fundamental, hasta el punto de considerarse por algunos críticos como "el disco que Genesis debió sacar tras la partida de Gabriel".

En 1978 un Genesis reducido a trío lanzó And Then There Were Three obteniendo un relativo éxito en las radios con el tema «Follow You, Follow Me». La accesibilidad de su propuesta musical iba en aumento. El siguiente disco en lanzarse, con mayores aportaciones de Phil Collins como compositor, será Duke, el cual se convirtió en su primer álbum número 1 en Inglaterra mientras ascendía al puesto número 11 en los EE.UU., incluyendo el tema de Collins «Misunderstanding» y el gran éxito «Turn It On Again», que se ha mantenido en las emisoras comerciales de música por más de treinta años.

En la década de los ochenta se editan Abacab, Genesis e Invisible Touch. De este último trabajo salen «Throwing It All Away», «Tonight, Tonight, Tonight», «In Too Deep», «Land of Confusion» e «Invisible Touch», todos llegaron al Top 5 en Estados Unidos, pero este último llegando al número 1 del Billboard. «Land of Confusion» fue además galardonado con el Grammy por tener uno de los mejores videos de ese año, con las figuras animadas en Spitting Image de Collins, Banks y Rutherford además de una original caricaturización de Ronald Reagan y Margaret Thatcher como protagonistas.

El último disco de estudio de esta etapa fue We Can't Dance (1991), que continúa la línea que el anterior con variados estilos característicos del grupo, aunque el peso de Collins es quizá mayor que en los anteriores, y la producción eleva (metafórica y físicamente) el volumen de la batería. Este álbum debutó como número uno en Inglaterra y alcanzó el número cuatro en Estados Unidos. «No Son of Mine», «I Can't Dance», «Hold On My Heart» y «Jesus He Knows Me» treparon con facilidad a los rankings mundiales. Este álbum es uno de los trabajos más vendidos de Genesis hasta la fecha. En 1992 y 1993 editarían dos álbumes en vivo que llegarían a ser platino en Estados Unidos.

En 1996 Phil Collins abandonó oficialmente Genesis, para centrarse en su carrera solista, y Ray Wilson fue su reemplazo como vocalista por un breve lapso de tiempo. Al no conseguir los éxitos esperados Genesis se separó definitivamente en 1998. Sin embargo en 2007 realizaron una exitosa gira de conciertos por Europa y los Estados Unidos, llamada "Turn It On Again", tras la cual en varias ocasiones se ha comentado una posible vuelta a los estudios de grabación. En el 2020 se anunció su regreso a los escenarios con la gira The Last Domino?, que además a Collins, Banks y Rutherford, incluye al guitarrista/bajista y colaborador Daryl Struemer y al hijo de Phil, Nicholas Collins en la batería en reemplazo de Chester Thompson.

Con aproximadamente 155 millones de álbumes vendidos en todo el mundo, Genesis se encuentra entre los treinta grupos más exitosos en ventas de todos los tiempos. Durante su trayectoria han recibido 4 nominaciones y 1 Premio Grammy, 3 nominaciones y 1 Premio American Music y nominaciones a los Premios Brit.

sábado, 17 de octubre de 2020

Black Sabbath [Parte 3]

 

Sharon Arden, la hija del representante Don Arden y futura esposa de Ozzy Osbourne, propuso al antiguo vocalista de Rainbow, Ronnie James Dio, como reemplazo de Ozzy en 1979. Dio se unió oficialmente en junio, y la banda comenzó a escribir su nuevo disco. A causa del diferente estilo vocal de Dio, el sonido de Black Sabbath cambió. «Eran totalmente diferentes», explica Iommi. «No sólo con respecto a la voz, sino a la actitud. Ozzy era un gran showman, pero cuando Dio llegó, era una actitud diferente, una voz diferente y una propuesta musical diferente, más allá de la voz. Dio cantaba a través del riff, mientras que Ozzy lo seguía, como en "Iron Man". Ronnie llegó y nos dio otro ángulo desde el cual componer».

El bajista Geezer Butler dejó la banda temporalmente en septiembre de 1979, y fue reemplazado en principio por Geoff Nicholls de Quartz. La nueva alineación entró en los Criteria Studios en noviembre para comenzar la grabación del álbum. Dos meses después, Butler regresó a la banda y Nicholls se encargó del teclado. Producido por Martin Birch, Heaven and Hell fue publicado el 25 de abril de 1980 con buenas críticas. Más de una década después de su publicación, Allmusic dijo que el álbum era «una de las grabaciones con más calidad de Sabbath, la banda suena totalmente renacida y con nuevas energías». Heaven and Hell llegó al noveno puesto en el Reino Unido y al veintidós en Estados Unidos, el mayor éxito desde Sabotage. Además, el sencillo «Neon Knights» obtuvo gran repercusión. El disco acabó vendiendo más de un millón de copias en Estados Unidos, y la banda se embarcó en una gira mundial, haciendo su primer concierto con Dio en Alemania el 17 de abril de 1980.

La banda acabó la gira Heaven and Hell en febrero de 1981, y regresó al estudio para componer su siguiente obra. El segundo álbum de Black Sabbath en ser producido por Martin Birch y en tener como vocalista a Ronnie James Dio, Mob Rules, salió al mercado en octubre de 1981, siendo bien recibido por el público, pero no tan bien por la crítica. La revista Rolling Stone aseguró que «Mob Rules presenta a la banda más torpe y flatulenta que nunca". Como con muchos trabajos anteriores de la banda, el tiempo ayudó a cambiar la perspectiva de la crítica. Una década después, Allmusic escribió sobre Mob Rules que era un «magnífico álbum». El álbum fue certificado disco de oro y alcanzó el top veinte en las listas británicas. La canción «The Mob Rules», grabada en la vieja mansión de John Lennon en Inglaterra, aparece en la película de animación Heavy Metal, aunque es una versión alternativa, distinta de la versión original del álbum.

Ronnie James Dio dejó Black Sabbath en noviembre de 1982 para comenzar su propia banda, Dio, y se llevó al baterista Vinny Apice con él. Live Evil vio la luz en enero de 1983, pero fue ensombrecido por Speak of the Devil de Ozzy Osbourne, un álbum en directo certificado como disco de platino, que contiene solo canciones de Black Sabbath, y que había sido publicado cinco meses antes.

Con solo dos miembros originales restantes, Tony Iommi y Geezer Butler comenzaron a hacer audiciones para el futuro álbum de la banda. Después de varios intentos fallidos con David Coverdale de Whitesnake, Nicky Moore de Samson y John Sloman de Lone Star, la banda finalmente se decidió por el vocalista de Deep Purple, Ian Gillan, para reemplazar a Ronnie James Dio en 1983. Aunque la primera idea era que el proyecto no se llamara Black Sabbath, las presiones de la compañía discográfica forzaron a la banda a mantener el nombre. La banda entró en The Manor Studio de Shipton-on-Cherwell, Oxfordshire, Reino Unido, en junio de 1983, con Bill Ward de vuelta y sobrio en su puesto de batería. El nuevo álbum, Born Again, se encontró con reseñas diversas de críticos y seguidores. El álbum alcanzó el puesto número cuatro en las listas británicas y el puesto número 39 en las de Estados Unidos. Aun así, casi una década después de su lanzamiento, el crítico de Allmusic Eduardo Rivadavia calificó el álbum de «espantoso», añadiendo que «el estilo blues de Gillan y las letras humorísticas eran totalmente incompatibles con los señores de las penumbras».

La banda pasó el resto del año en el estudio, grabando lo que sería Seventh Star. Warner Bros. se negó a lanzarlo como un álbum en solitario de Tony Iommi, insistiendo en usar nuevamente el nombre de Black Sabbath. Presionados por el representante de la banda, Don Arden, ambos decidieron lanzar el álbum como «Black Sabbath featuring Tony Iommi» en enero de 1986. «Realmente fue meterse en camisa de once varas», explicó Iommi, «porque creo que si lo hubiésemos podido lanzar como un álbum en solitario, habría tenido mucha mejor aceptación». Seventh Star, que sonaba poco a álbum de Black Sabbath, incorporaba más elementos de hard rock popularizados por la escena rock de Sunset Strip de los años 1980, y fue criticado por los periodistas musicales de la época, aunque reseñas posteriores como la de Allmusic fueron positivas, diciendo del álbum que era «a menudo incomprendido y subestimado».

Tras casi un año de producción, se lanzó The Eternal Idol el 8 de diciembre de 1987, siendo ignorado por los críticos del momento. Las reseñas aparecidas posteriormente en las páginas especializadas de internet son tanto positivas como negativas. Allmusic dijo que «la poderosa voz de Martin añadía fuego nuevo» a la banda y que el álbum contenía «algunos de los riffs más duros de Iommi en años». Blender le concedió al álbum dos estrellas, diciendo que el álbum era «Black Sabbath sólo de nombre». El álbum llegó al número 66 en el Reino Unido y al 168 en Estados Unidos. La banda hizo gira de promoción de The Eternal Idol en Alemania, Italia y, por primera vez, Grecia. Desafortunadamente, en parte debido la reacción de los promotores respecto al incidente de Sudáfrica, se cancelaron otros conciertos por Europa. El bajista Dave Spitz abandonó la banda poco antes de la gira, siendo sustituido por Jo Burt, antiguo miembro de Virginia Wolf.

En abril de 1989 Black Sabbath lanzó Headless Cross, nuevamente ignorado por los críticos de la época. Finalmente, Allmusic concedió cuatro estrellas de cinco al álbum, llamándolo «el álbum mejor de Black Sabbath sin Ozzy ni Dio». El álbum llegó al puesto número treinta y uno de la lista de álbumes británica y el sencillo extraído del mismo, «Headless Cross», se posicionó en el puesto número sesenta y dos de la lista de sencillos. En Estados Unidos llegó al puesto número 115 de la lista del Billboard.

La banda volvió al estudio en febrero de 1990 para grabar Tyr, la continuación de Headless Cross. Aunque técnicamente no es un álbum conceptual, algunos de los temas de las letras están basadas, en términos generales, en la mitología nórdica. Tyr fue lanzado el 6 de agosto de 1990, llegando al puesto número 24 en la lista de álbumes británica, aunque fue el primer álbum de Black Sabbath que no entró en el Billboard 200 de Estados Unidos.

Dehumanizer, se lanzó el 22 de junio de 1992. En Estados Unidos, el álbum se publicó el 30 de junio de 1992 a través de Reprise Records, ya que Ronnie James Dio y su banda homónima todavía tenían contrato con esa discográfica. Aunque el álbum recibió reseñas de distinta índole tuvo el mayor éxito comercial de la banda de los últimos diez años. En cierta medida gracias al sencillo «TV Crimes», el álbum llegó al puesto número 44 de la lista Billboard 200. En el álbum también se puede encontrar la canción «Time Machine», de la cual aparece una versión regrabada en la película de 1992 Wayne's World. Bajo la presión de la discográfica, la banda lanzó su decimoséptimo álbum de estudio, Cross Purposes, el 8 de febrero de 1994, usando el nombre de Black Sabbath. Nuevamente el álbum recibió críticas diversas.

En junio de 2013 salió a la venta el decimonoveno álbum de estudio de la banda, llamado 13, grabado entre agosto de 2012 y enero de 2013 en Shangri La Studios, Malibu, California, y Tone Hall, Warwickshire, Reino Unido. El disco fue publicado por la discográfica Vertigo y la producción corrió a cago de Rick Rubin. Brad Wilk de Rage Against the Machine se encargó de sustituir a Bill Ward a la batería. La versión estándar del disco consta de ocho canciones, mientras que la versión deluxe consta de tres pistas adicionales.

El primer sencillo de 13 se titula "God Is Dead?" y se lanzó el 19 de abril de 2013. El 20 de abril de 2013, Black Sabbath comenzó su primera gira por Australia y Nueva Zelanda en más de cuarenta años, y seguirá con una amplia gira por Estados Unidos entre julio y agosto. Black Sabbath llega por primera vez a México y en noviembre llega también por primera vez a Costa Rica promocionando "13". El segundo sencillo del disco es "End of the Beginning", que debutó en el episodio del 15 de mayo de CSI: Crime Scene Investigation, en el cual aparecen los tres miembros de la banda. Se lanzó un tercer sencillo para el álbum, titulado "Loner".

En junio de 2013, 13 llegó a lo más alto de las listas UK Albums Chart y Billboard 200.

Black Sabbath es considerada una de las bandas de heavy metal más influyentes de todos los tiempos. La banda ayudó a crear el género con lanzamientos tan innovadores como Paranoid, un álbum del que la revista Rolling Stone dijo que «cambió la música para siempre», llamando a la banda «los Beatles del heavy metal». Time Magazine dijo de Paranoid que fue «el lugar de nacimiento del heavy metal», incluyéndolo en su lista de los 100 mejores álbumes de todos los tiempos. MTV colocó a Black Sabbath en el primer puesto de su lista de las 10 mejores bandas del heavy metal, mientras que VH1 les puso en el puesto número dos de su lista de los 100 mejores artistas del hard rock. VH1 puso la canción «Iron Man» en el puesto número uno de su lista de las 40 mejores canciones de metal. 

viernes, 16 de octubre de 2020

Aerosmith

 

Aerosmith es una banda estadounidense de hard rock. También conocidos como "Los chicos malos de Boston", o "Toxic Twins", apelativo por el que se conoce a sus dos líderes por su histórica adicción a las drogas. Su sonido agresivamente rítmico tiene raíces en el blues y además contribuyó a establecer el sonido del hard rock y Pop rock entre los años 1981 y 1990. La banda se formó en Boston, Massachusetts, en 1970. El guitarrista Joe Perry y el bajista Tom Hamilton originalmente pertenecían a una banda llamada Jam Band, posteriormente se integraron el cantante Steven Tyler, el baterista Joey Kramer, y el guitarrista Ray Tabano, y formaron Aerosmith. En 1971, Tabano sería reemplazado por Brad Whitford, y a partir de ese momento el grupo comenzaría a ser conocido en Boston.

La banda firmó contrato con Columbia Records en 1972 y lanzó un serie de álbumes que han sido certificados multi-platino, comenzando con su álbum debut homónimo. En 1975, la banda se consolidó con el álbum Toys in the Attic, y con su siguiente álbum Rocks de 1976, cimentaría su estatus de super estrellas de hard rock. Para finales de la década de los 70, serían una de las bandas más populares de hard rock en todo el mundo, consiguiendo cosechar un gran número de seguidores, a los que a menudo se les llama "Blue Army". Sin embargo, la adicción a las drogas y los conflictos internos que se hicieron sentir en la banda darían como resultado las salidas de Perry y Whitford en 1979 y 1981, respectivamente. Serían sustituidos por Jimmy Crespo y Rick Dufay. La banda no tendría éxito entre 1980 y 1984, lanzando solamente un álbum, Rock in a Hard Place, que sería disco de oro, pero no a la altura de sus éxitos anteriores.

Aunque Perry y Whitford regresaron en 1984 y la banda firmó un contrato de grabación con Geffen Records, no sería hasta el lanzamiento en 1987 del álbum Permanent Vacation en que la banda recuperaría el nivel de popularidad que había experimentado en la década de 1970. A lo largo de las décadas de los 80 y 90, la banda obtendría varios éxitos y ganaría numerosos premios musicales con los álbumes Pump (1989), Get a Grip (1993), y Nine Lives (1997). Su regreso fue descrito como uno de los momentos más importantes y espectaculares de la historia del rock and roll. Después de 46 años de dar conciertos, la banda dio una gira de despedida en 2017. Aún que esta gira tuvo que ser pospuesta debido a que Steven Tyler tuvo problemas de salud. Hoy en día la banda se encuentra en una residencia en Las Vegas.

Aerosmith es una de las bandas con mayor número de ventas de todos los tiempos, han vendido más de 200 millones de álbumes en todo el mundo, incluyendo 66,5 millones de álbumes solamente en los Estados Unidos. También tienen el récord de ser el grupo estadounidense con mayor número de discos de oro y platino. La banda ha conseguido 21 entradas al Top 40 del Billboard Hot 100, nueve números uno en el Mainstream Rock Tracks, cuatro premios Grammy, y diez MTV Video Music Awards. Han sido incluidos en el Salón de la Fama del Rock en el 2001, y en 2005 fueron clasificados n.º 57 en la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.

jueves, 15 de octubre de 2020

Duncan Dhu

 

Duncan Dhu es un grupo musical español de rock originario de San Sebastián (Guipúzcoa, España) formado el 4 de agosto de 1984 tras la fusión de los principales integrantes de los grupos Aristogatos y Los Dalton. Sus miembros originales fueron Mikel Erentxun (cantante hasta entonces del grupo Aristogatos), Diego Vasallo (vocalista y bajista del grupo Los Dalton) y Juan Ramón Viles (guitarra y batería de Los Dalton). Desde 1989 está compuesto por los dos primeros.

El nombre del grupo hace referencia a un personaje de Secuestrado, una novela de 1886 de Robert Louis Stevenson. En ella, Duncan Dhu era el jefe de un clan escocés que fascinaba a Erentxun en aquellos años.

Su estilo inicial estaba basado en un pop rock acústico y sencillo con toques de rockabilly que contrastaba con el rock radical de la escena donostiarra del momento. Ofrecen sus primeras actuaciones en directo por algunos bares de San Sebastián, la primera de las cuales la dan en el bar Txirristra. En el programa de radio Nuevas Factorías Duncan Dhu graba su primera maqueta, con la que Diego y Mikel viajan a Madrid a entregarla a las discográficas. El 1 de febrero de 1985 firman su primer contrato discográfico con la compañía GASA (creada por los miembros del grupo Esclarecidos), contribuyendo con dos canciones (Mi amor y una particular versión del famoso Bésame mucho) al disco recopilatorio de nuevas bandas La única alternativa.

En 1985 graban su primer álbum, Por tierras escocesas, un mini lp. Y un año después Canciones (ambos producidos por Paco Trinidad), con cuyos temas alcanzaron gran popularidad y consiguieron vender más de 175.000 copias. Su tema Cien gaviotas fue declarado sencillo del año por muchas emisoras de radio.

A este siguió en 1987 el álbum El grito del tiempo, con 400,000 copias vendidas, que le convierten en el grupo español que más vendió en ese año, con sencillos como En algún lugar o Una calle de París. En este disco, el productor Paco Trinidad decide que Duncan Dhu no grabe la instrumentación, cosa que creará grandes tensiones entre el productor y el grupo. Los miembros del grupo se limitan a grabar las voces y coros. El resto es grabado en estudio por músicos como Luis Lozano y Enrique Mateu de Villavicencio. Como consecuencia de los enfrentamientos surgidos, la relación con Paco Trinidad se rompe tras la grabación de este álbum.

En 1989, publican Grabaciones olvidadas, que contiene caras B y canciones inéditas. Forman un LP de edición limitada de 50.000 copias. En este tiempo, el trío se convirtió en dúo tras la marcha de Juan Ramón Viles. Las relaciones con Juanra se habían deteriorado considerablemente. Mikel y Diego alegaron como motivo la falta de interés de Juanra por ensayar y su marcha de un concierto porque no le apetecía tocar. No obstante, Mikel y Diego le invitaron a que participara en el aspecto empresarial, algo que rechazó. “Acabé en los juzgados. La relación desvarió”, recordaba Viles recientemente. La versión de Juanra sobre su marcha queda reflejada en el libro "Duncan Dhu Crónicas de un éxito 1984-89", publicado en 2006, en el que cuenta la historia del grupo, durante los años en que formó parte de este.

También en 1989, Duncan Dhu publica el disco doble Autobiografía, con 30 canciones y colaboraciones de Black y Sam Brown, entre otros. Con dichos artistas hicieron la gira "Worltour 90". Entre otros aspectos del álbum, cabe destacar que da inicio a la faceta de Diego como segundo vocalista del grupo: es ahora cuando se atreve a cantar algunas de sus propias composiciones, algo que la crítica no supo aceptar.

Después de la publicación del disco, Duncan Dhu emprende una gira de más de 100 conciertos por España, y de actuaciones internacionales como la participación en el Festival de Non en Suiza, o en París junto a Lloyd Cole y Big Audio Dynamite. También prueba con algunas colaboraciones internacionales, como en la banda sonora de Dick Tracy, que les valió una de las candidaturas a los Grammy.

En 1992 protagonizan el concierto con mayor público de la historia del pop español con 120.000 personas en la Exposición Universal de Sevilla 92. Siguieron discos en solitario (Naufragios por parte de Mikel (250.000 copias vendidas) y Realidad virtual de rock'n'roll (Disco de Oro) de Diego.

En tiempos posteriores, el proyecto queda aparcado. Los caminos musicales en solitario tanto de Mikel como de Diego les van distanciando poco a poco, y los rumores de separación no cesan pues no hay noticias de un próximo disco en preparación.

Sin embargo, en 1994, Mikel y Diego se reúnen de nuevo y graban Piedras. Se reúnen con el material que han ido escribiendo en los últimos meses por separado, dando forma a un álbum con once temas (seis de Mikel y cinco de Diego). Este disco, con un sonido muy elaborado y con algunos guiños a The Beatles, concluye con "A tu lado", canción que Mikel y Diego cantan a dúo, algo que repetirían en el futuro con "La herida". También cuentan con la colaboración de Juan Luis Jiménez (Presuntos Implicados), quien firma el solo de "Capricornio".

Una vez concluida la gira tras la publicación de "Piedras", Duncan Dhu edita en 1995 un álbum titulado Teatro Victoria Eugenia. Se trata de un doble disco en directo grabado en dicho teatro, celebrando el 10º aniversario del grupo. El primer disco presenta éxitos del dúo en formato acústico, mientras que el segundo disco aborda nueve temas con un sonido más crudo y roquero. "Teatro Victoria Eugenia" destaca por presentar a un Duncan Dhu honesto en un concierto donde no hay trampa ni cartón: no se hicieron remasterizaciones posteriores a la grabación ni retoques en el estudio.

Desde entonces se han enfocado más a sus carreras en solitario, sin olvidar el recopilatorio Colección 1985-1998, con 350.000 copias dobles vendidas que le convertían en el recopilatorio más vendido del pop español en aquel momento. Este álbum incluye cuatro temas inéditos grabados con un sonido austero, en los que las voces de Mikel y Diego equilibran el protagonismo.

No obstante, en 2001, Duncan Dhu soprende a propios y extraños con un disco de despedida titulado Crepúsculo, colección de 21 canciones inéditas, divididas en dos discos (el segundo de ellos titulado "Crudités"). En este álbum, según declaraciones del grupo recogidas por Terra «Terra, Música, Entrevistas». esta vez se propusieron expresamente escribir juntos, el grueso del álbum contiene música de Mikel y letras de Diego. El resultado ha sido considerado por muchos fans como el mejor disco de Duncan Dhu: un disco sencillo, espontáneo e intimista donde los instrumentos acústicos (guitarras, piano y, sobre todo, instrumentos de cuerda...) ostentan casi exclusivamente el protagonismo. Mikel canta 16 de los 21 temas, pero no son de inferior calidad las canciones interpretadas por Diego, cuya voz ha ido ganando enteros con el paso de los años... El disco culmina con el tema "Todo se desvanece", único corte en el que predominan las guitarras eléctricas y extensos solos, tras la apocalíptica voz de Diego. Otro detalle destacable es que la portada está realizada por el donostiarra Javier Aramburu y su concepto queda reflejado y ampliado en el videoclip de "Siempre".

En 2013, después de 12 años, con más de 3 millones de discos vendidos, Duncan Dhu anuncia su vuelta, con la grabación de un disco de estudio con temas nuevos titulado "El duelo".