Santana

 

Santana es una banda estadounidense de rock formada en la ciudad de San Francisco en 1966 por el guitarrista mexicano-estadounidense Carlos Santana. La banda llamó la atención del público con su interpretación de "Soul Sacrifice" en el festival Woodstock en 1969. Esta exposición ayudó a impulsar su primer álbum, también llamado Santana, seguido con gran éxito en los dos años siguientes por Abraxas y Santana III. Los cambios en la alineación fueron comunes. La creciente colaboración de Carlos Santana con el gurú Sri Chinmoy llevó a la banda a adoptar un estilo más esotérico, aunque sin perder su influencia latina.

La primera audición del grupo se dio en el Avalon Ballroom a finales del verano de 1967. Después de la audición, Chet Helms (el promotor del evento) le aseguró a los músicos de la banda que nunca podrían abrirse paso en la escena musical en San Francisco tocando fusión latina, sugiriendo a Carlos que conservara su trabajo como lavaplatos. Fue añadido un segundo percusionista llamado Marcus Malone para afianzar el sonido latino de la banda. Para cuando Santana comenzó a trabajar en su álbum debut Santana, Malone ya había dejado la banda, ya que había sido condenado por homicidio y había comenzado a cumplir su condena en la Prisión Estatal de San Quentin.

Bill Graham, uno de los encargados de la logística del Festival de Woodstock de 1969, recomendó a la agrupación. Finalmente el grupo fue anunciado como uno de los artistas intérpretes del festival, donde compartieron escenario con bandas y artistas como Jimi Hendrix, Janis Joplin, Richie Havens, Jefferson Airplane, Grateful Dead y Joe Cocker. El álbum debut de la banda finalmente fue publicado en agosto de 1969. El disco alcanzó la posición n.º 4 en la lista pop estadounidense Billboard 200 con el sencillo "Evil Ways" ubicándose en el Top 10 de las listas.

En 1970 editaron el álbum Abraxas, con el que vendieron más de un millón de copias. El trabajo de grabación comenzó a mediados de abril de 1970 en los estudios Wally Heider en San Francisco y se completó a principios de mayo de ese mismo año. El álbum, impulsado por una nueva versión de "Black Magic Woman" de Fleetwood Mac (escrita por Peter Green, la canción alcanzó la posición n.º 4 en la lista estadounidense Billboard Hot 100), fue lanzado en septiembre de 1970 y logró encabezar la lista Billboard 200.

Entre enero y julio de 1971 la banda grabó su tercera producción, Santana III. Publicado en septiembre de 1971, el disco alcanzó la primera posición en la lista Billboard 200. En la cima de la popularidad de la banda, Santana III fue el último álbum en presentar la alineación clásica de la banda, compuesta por Carlos Santana, Gregg Rollie, Mike Carabello, David Brown, José Chepito Areas y Michael Shrieve. Antes de grabar su cuarto álbum, Caravanserai, hubo múltiples cambios en la alineación. El bajista David Brown se ausentó en 1971 antes de que comenzara la grabación y fue reemplazado por Doug Rauch y Tom Rutley. El percusionista Michael Carabello también abandonó la agrupación y fue reemplazado por dos percusionistas, Armando Peraza y Mingo Lewis. El teclista Gregg Rolie fue reemplazado por Tom Coster en algunas canciones. Caravanserai debutó en la posición n.º 8 en las listas pop, a pesar de no generar ningún "hit single".

A partir de 1973, Carlos Santana comienza a publicar álbumes de corte más experimental bajo el nombre de Carlos Santana, al margen de la banda. 13 meses después del lanzamiento de Caravanserai, Santana publicó el álbum Welcome, primero de cuatro discos consecutivos en obtener la certificación de oro, a diferencia de los cuatro anteriores que alcanzaron al menos el nivel de platino. El álbum alcanzó el puesto No. 25 en la lista Billboard 200, el más bajo en la carrera de la banda hasta ese momento. Los siguientes álbumes contenían un estilo más experimental que sus trabajos anteriores, comenzando con Borboletta, que incluso obtuvo una menor repercusión que el anterior, a pesar de escalar cinco posiciones en las listas de éxitos estadounidenses.

El álbum Amigos de 1976 fue mucho más exitoso. Alcanzar el número 10 en las listas de Estados Unidos y llegar al top 10 en Francia, Australia, Nueva Zelanda, Austria y Holanda, fue una especie de retorno al éxito de sus primeros álbumes. Festival en cierto modo contradijo el éxito recién descubierto, pero fue un pequeño tropiezo antes de otro álbum exitoso, Moonflower, publicado en 1977. El álbum fue posiblemente el más exitoso desde Santana III, logrando la certificación de doble platino en los Estados Unidos y siendo el primer álbum desde Borboletta de 1974 en ingresar en el Top 10 del Reino Unido.

Sus siguientes dos lanzamientos, Inner Secrets y Marathon, publicados en 1978 y 1979 respectivamente, fueron un cambio musical para la banda, alejándose de la fusión entre rock y música latina que había caracterizado su trabajo a fines de la década de 1960 y la mayoría de los años 1970 para avanzar hacia un sonido de rock convencional. Sin embargo, estos álbumes no tuvieron un buen desempeño comercial, aunque ambos obtuvieron el estatus de disco de oro en los Estados Unidos.

La banda comenzó la década de 1980 con varios discos que pretendían devolver algo de tirón comercial al grupo, buena prueba de ello son los álbumes Zebop! (1981), con el éxito "Winning", y Shangó (1982), con el éxito "Hold On". Sin embargo, a medida que avanzaba la década, las ventas de los discos de Santana descendieron. El grupo esperó otros tres años para lanzar su siguiente producción, el descanso más largo para ellos hasta ese momento. Beyond Appearances de 1985 fue un fracaso comercial, y su primer producción que no logró la certificación de oro. Sus siguientes tres lanzamientos continuaron este declive comercial, y el último de ellos no logró ingresar ni siquiera en el top 100 de Billboard. En medio de este escollo comercial, la banda dejó de grabar material durante siete, aunque continuó realizando giras. En 1987, Carlos Santana publica Blues For Salvador, un espectáculo musical grabado que le permite ganar el Grammy al mejor espectáculo instrumental.

A finales de la década de 1990 Santana firmó un contrato discográfico con el sello Arista Records tras abandonar su sello habitual, con el que se encontraban descontentos. El disco resultante fue Supernatural, álbum que contó con la cooperación de varios artistas invitados, como Maná (en la canción "Corazón Espinado"), Rob Thomas (en la canción "Smooth") y Eric Clapton (en "The Calling"), entre otros. Por ese trabajo, Santana obtuvo un N° 1 por varias semanas con Smootn de acuerdo a la lista Billoard Hot 100 además de 9 Premios Grammy, 3 Grammy Latinos, vendió más de 25 millones de copias en todo el mundo y volvió a poner a la banda en el estrellato internacional. Sus posteriores trabajos trataron de repetir la fórmula utilizada en Supernatural. En Shaman (2002), la banda contó con las colaboraciones de Dido, Seal, Plácido Domingo y Michelle Branch; y en All That I Am con Steven Tyler de Aerosmith y por segunda vez con Michelle Branch.

El álbum Guitar Heaven fue publicado en 2010. Musicalmente fue un cambio drástico para la banda, con un sonido mucho más pesado en su núcleo y fuertes influencias del heavy metal. Debutó en el No. 5 en el Billboard 200 pero marcó otro declive para la banda al no poder lograr el certificado de disco de oro. En 2012, el grupo lanzó Shape Shifter, álbum que retomó el sonido convencional de los primeros años de la banda. Debutó en la posición n.º 16 en el Billboard 200.

En 1998, la banda fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll con Carlos Santana, José "Chepito" Areas, David Brown, Gregg Rolie, Mike Carabello y Michael Shrieve. La agrupación ha ganado nueve premios Grammy y tres premios Grammy Latino, el último de ellos en el año 2000. Carlos Santana ganó un Grammy como solista en 1988. La banda ha vendido más de 90 millones de discos en todo el mundo, y convirtiéndose en uno de los grupos con mayor número de ventas de todos los tiempos. En 2013, Santana anunció una reunión de la alineación clásica para un nuevo álbum, Santana IV, que finalmente se publicó en abril de 2016.

En 2019 la banda publicó el disco Africa Speaks mediante el sello Concord Records. Sirvió de adelanto el sencillo "Los invisibles", en el que colaboró la cantante española Buika con la producción de Rick Rubin.

George Harrison

 

George Harrison (Liverpool, 25 de febrero de 1943-Los Ángeles, 29 de noviembre de 2001) fue un músico multiinstrumentista, compositor, cantautor, productor musical, productor cinematográfico, actor, filántropo y activista pacifista y ecologista británico, guitarrista y cantante de la banda de rock The Beatles. Aunque John Lennon y Paul McCartney fueron los principales compositores dentro del grupo, Harrison también incluyó composiciones propias en los discos de The Beatles, tales como «I Need You», «Taxman», «I Me Mine», «Within You Without You», «Old Brown Shoe», «While My Guitar Gently Weeps», «Something» y «Here Comes the Sun».

Las influencias musicales más tempranas de Harrison incluyeron músicos como Big Bill Broonzy, Chet Atkins, Chuck Berry, Ry Cooder y Buddy Holly. En 1965, fue pionero en introducir música hindú en occidente a través de instrumentos como el sitar, que tocó en canciones como «Norwegian Wood (This Bird Has Flown)» y «Within You Without You». Harrison tuvo también un especial interés por la cultura y religión hindú a través del movimiento Hare Krishna e introdujo a sus compañeros de The Beatles a la filosofía oriental a través del maharishi Mahesh Yogi, determinante en la evolución musical del grupo desde la grabación de The White Album (1968).

Tras la disolución de The Beatles, Harrison publicó All Things Must Pass (1970), el primer álbum de un beatle en solitario que alcanzó el primer puesto en la lista Billboard 200. Este álbum contó con la participación de varios músicos, entre ellos Ringo Starr a la batería y Eric Clapton a la guitarra. La producción estuvo a cargo del mismo George Harrison y Phil Spector, quien trabajó junto a los Beatles en el álbum Let It Be. También organizó, con Ravi Shankar, The Concert for Bangla Desh (1971), el primer concierto benéfico de la historia de la música rock y precursor de eventos benéficos como Live Aid. A lo largo de su carrera obtuvo varios éxitos musicales con sencillos como «My Sweet Lord», «What is Life», «Give Me Love (Give Me Peace on Earth)» y «Got My Mind Set on You», participó como guitarrista en grabaciones de una larga lista de músicos y grupos como Badfinger, Ronnie Wood, Billy Preston y Eric Clapton, y cofundó con Bob Dylan, Jeff Lynne, Roy Orbison y Tom Petty el supergrupo Traveling Wilburys. Su trayectoria musical ha sido reconocida con varios premios: entró en el Salón de la Fama del Rock and Roll de forma póstuma en 2006, y la revista Rolling Stone lo situó en el puesto 11 de la lista de los cien guitarristas más grandes de todos los tiempos.

De forma paralela a su trabajo como músico, Harrison también trabajó como productor musical y cinematográfico. En 1974 fundó Dark Horse Records, un sello independiente bajo el que publicó sus discos desde Thirty Three & 1/3 (1976) hasta Brainwashed (2001), y creó HandMade Films, una productora que financió largometrajes como La vida de Brian y Time Bandits.

Harrison contrajo matrimonio en dos ocasiones: con Pattie Boyd, de quien se divorció en 1977, y con Olivia Trinidad Arias, con quien tuvo su primer y único hijo, Dhani. En noviembre de 2001, Harrison falleció a los 58 años tras sufrir un cáncer de pulmón, y sus cenizas fueron esparcidas en una ceremonia privada en los ríos Ganges y Yamuna.

KoЯn

 

Korn (estilizado KoЯn) es una banda estadounidense de nu-metal de Bakersfield, California, Estados Unidos formada en 1993. Son considerados los pioneros del género nu metal junto con Deftones. Como otras bandas de la época, fueron los que inspiraron a muchas de las bandas de nu metal y metal alternativo entre los años 1990 y comienzos del 2000.

El catálogo de la banda consiste de diez debuts consecutivos en el top ten del Billboard 200, incluyendo un álbum recopilatorio, Greatest Hits Vol.1, y su Korn The Path Of Totality décimo álbum de estudio, publicado el 6 de diciembre de 2011. Hasta la fecha, Korn ha vendido más de 50 millones de álbumes mundialmente, incluyendo 19,5 en los Estados Unidos, mientras que han obtenido siete nominaciones a los premios Grammy, dos de los cuales han ganado.

Korn se formó cuando Jonathan Davis lideraba en aquel momento una banda local llamada Sexart, mientras trabajaba como ayudante de forense en Bakersfield, California. LAPD era el grupo en el que estaban James "Munky" Shaffer, David Silveria, Reginald "Fieldy" Arvizu y Brian "Head" Welch. LAPD eran aparentemente más conocidos que Sexart y aún puede encontrarse algún trabajo del grupo. Munky, Fieldy, y David grabaron el disco debut de LAPD cuando apenas llegaban a la mayoría de edad, y en él pueden oírse partes de actuales canciones de Korn. Jonathan, en cambio, permaneció en Sexart cuatro meses.

Ambas agrupaciones se encontraron por única vez cuando Munky y Brian salieron una noche por Bakersfield a tomar algo y se toparon con los miembros de Sexart, quienes estaban tocando esa noche en ese local. Según Munky: «Ya nos íbamos, y cuando ya estábamos casi cruzando la puerta ¡oímos a John cantar y Brian y yo nos miramos con la boca abierta! ¡Oh, Dios! Así que nos dimos la vuelta, nos sentamos otra vez y vimos la actuación completa».

Esperaron pacientemente a que el grupo finalizara su actuación y hablaron con Jonathan, ex compañero de instituto de ambos. Después de charlar un rato le ofrecieron el papel de cantante en un grupo de heavy metal que estaban creando en Huntington Beach. Inicialmente, Jonathan rechazó la propuesta, pero hubo algo que le hizo cambiar de opinión. Días más tarde visitó a una tía suya, dedicada a la astrología. Esta le convenció para que aceptara la oferta. La profecía familiar se convirtió en una obsesión para Jonathan, que no paraba de dar vueltas al asunto. Así que fue a ver a los chicos e hizo una prueba.

El grupo, ya como Korn, consiguió los servicios de un mánager que les asesorara en el mundo de la industria musical, pese a que los jóvenes miembros ya tenían algo de experiencia. Comenzaron a presentar y grabar maquetas y dar algunos conciertos a nivel local, presentando una música innovadora, agresiva, dura y mezclando sonidos como el rap y el metal a la vez que utilizaban guitarras de 7 cuerdas, que pronto llamó la atención del público, industria e imitadores. Aquel original sonido era una evolución natural de bandas como Rage Against the Machine o Red Hot Chili Peppers, bandas que mezclaban algo de heavy metal con rap. En 1988 nacieron como banda los californianos Deftones, y un año más tarde de la creación de Korn otro grupo saltó al panorama musical de este nuevo sonido metal, Limp Bizkit, quienes abanderarían, junto con Deftones y los propios Korn, el nu metal, que comenzó a gestarse a inicios de los años 1990.

Tras dos años de giras ficharon con Immortal (subdivisión perteneciente a Epic Records) para grabar su primer álbum de estudio. La banda comenzó la grabación en los estudios Indigo Ranch, de Malibu Hills, California, para grabar su álbum debut, Korn, lanzado en octubre de 1994. Shaffer y Welch tocaban guitarras de 7 cuerdas, y Davis cantaba experiencias de su oscura y problemática adolescencia. La banda debutó también con buen pie, al igual que su disco debut (se han vendido más de un millón de copias) tocando en el Ozzfest, y que incluía conciertos junto a grupos como Ozzy Osbourne, Megadeth y Marilyn Manson.

Para promocionar su segundo álbum, Korn se convirtió en el primer grupo de música en lanzarse a publicitar su nuevo disco a través de Internet mediante emisoras interactivas de radio, donde ofrecían a los seguidores la posibilidad de preguntarles directamente e incluso el adelanto de algunas canciones. En verano de 1996 salió a la venta Life is Peachy. El disco llegaría a platino, y la banda se aventuraba en otro largo período de giras y conciertos; sin embargo Davis y los suyos tuvieron que reducir sus fechas a la mitad, ya que Shaffer contrajo una meningitis y más tarde, ya en 1998, tuvieron que cancelar su actuación en el Ozzfest por el nacimiento del hijo de Welch.

Korn decidió tomarse un descanso tras cinco años de giras, conciertos y grabaciones. Sin embargo, una noticia inesperada los hizo reaccionar inmediatamente: un chico era expulsado de su instituto, en Míchigan, por llevar una camiseta de Korn. La banda intervino y consiguió que el chico fuera readmitido. Continuaba, además, visitando las emisoras de radio de Internet informando a los seguidores sobre las noticias del grupo y las novedades en cuanto a grabación de nuevos discos. También incluyeron visitas de artistas invitados del movimiento del metal como Limp Bizkit y Rammstein, y el rapero Ice Cube. El año se completó con la creación de su propio sello discográfico, Elementree. Poco después, la prensa se cebó con el grupo debido a un multimillonario acuerdo que les ligaba a la marca Puma, abandonando su anterior fidelidad a Adidas.

En 1998 su tercer álbum, Follow the Leader, sale al mercado, alcanzando el número uno del Billboard y cosechando muy buenas críticas. La banda tuvo también detalle con un chico enfermo de cáncer terminal, que pidió a través de la fundación Make a Wish que le dejaran conocer al grupo. Las canciones que destacan en este álbum son: "Freak On a Leash", "Got the Life" y "Children of the Korn", cantada con el rapero Ice Cube.

En 1999 la banda publica Issues, disco que se va alejando poco a poco de sus influencias del rap e introduciendo sonidos más oscuros. En este disco Jonathan Davis deja de lado definitivamente sus gritos guturales por una voz mucho más clara. Issues consiguió cuatro discos de platino y tocar con bandas como Limp Bizkit o Deftones.

En el año 1998, los chicos de Korn crearon el festival de rap y metal llamado The Family Values Tour. En 2002 sacan el disco "Untouchables". En el año 2003 lanzan "Take a Look in the Mirror", un disco que intenta tímidamente volver a su sonido original. En febrero de 2005, Brian Welch toma la decisión de dejar el grupo para dedicarse a su fe y a su hija, tras 12 años y seis álbumes de estudio grabados.

Una lista de MTV MTV's Top 22 Greatest Bands posiciona a la banda en el puesto 16 de su lista superando a bandas como Alice in Chains y Van Halen.

Cruks en Karnak

 

Cruks en Karnak fue una banda ecuatoriana de rock en español y blues. Se inició en la ciudad de Quito por los hermanos de origen argentino-ecuatoriano Sergio y Andrés Sacoto, en el año 1989. En el 2007 la banda se disolvió, dando su concierto de despedida en el parque Itchimbía de su ciudad de origen.

También conocidos como Los Cruks, se caracterizaron por ser una banda que desde el principio intentó rescatar valores de la cultura local y regional, fusionando el rock con géneros tan diversos como el pop, la música afro-latina, el funk, el folklore latinoamericano, entre muchas otras formas de expresión musical, logrando un sonido característico.

Tuvieron gran fama nacional y trascendieron el ámbito internacional al ser de las primeras bandas ecuatorianas en publicar un video musical en la cadena MTV con el tema "Como camina" , que tuvo gran aceptación en toda la región.

Su nombre no tiene una significación concreta y se debe más bien al azar. Según una entrevista que Sergio Sacoto ofrece a la Revista Rolling Stone, el nombre nace debido a que la banda no tenía un nombre formal al inicio y al solicitarles un nombre para presentarles sobre el escenario, buscaron en una enciclopedia Barsa un tema al azar y apareció el nombre del científico William Crookes, inventor de la luz fluorescente y premio Nobel de Química en 1907 y al abrir nuevamente una página de dicha enciclopedia al azar apareció el nombre de la ciudad egipcia de Karnak. Se les ocurrió que el nombre de la banda podría ser una referencia a una supuesta expedición de William Crookes en Karnak, por lo que posteriormente fue cambiada por el nombre de Cruks en Karnak, con la finalidad de acortar el nombre y adaptarlo al español puro.

En sus inicios, en 1989, la banda estaba integrada únicamente por Pablo Santacruz, Esteban Rivadeneira, Sergio y Andrés Sacoto. Como toda banda local, se inició tocando en bares y lugares públicos de la ciudad. No fue si no hasta 1991 que lograron colocarse en las radios quiteñas con su primer sencillo "La Caperuza", una adaptación basada en el cuento de la Caperucita Roja; con este trabajo, logran convertirse oficialmente en una banda profesional.

En 1993 lanzaron su primer EP Tu Culpa, con el sello Fediscos, que tuvo una gran repercusión a nivel local. Fue un disco en formato de vinilo EP 12" con cuatro canciones compuestas por Sergio Sacoto.

En 1994 se integra a la banda el guitarrista lojano Hittar Cuesta; y con este aporte gigante, la discográfica Sony Music graba el disco autotitulado Cruks en Karnak en 1996, lo cual catapulta a la banda como una de las más representativas del rock ecuatoriano de los años noventas, junto a otras bandas tales como Tercer Mundo, Sal y Mileto, La Trifulka, Sobrepeso, Basca y Bajo Sueños. Sin lugar a dudas, este disco se ha convertido en un clásico del rock ecuatoriano. Aquí podemos encontrar a unos jóvenes Cruks en busca de afianzarse musicalmente, un debut muy poderoso donde tempranamente encontraron su madurez musical, su estilo y sello personal. La capacidad vocal y expresiva de Sergio Sacoto, la sincronización instrumental, la fusión de ritmos y la maestría de Hittar en la guitarra hicieron de este disco uno de los mejores discos de rock del Ecuador.

El tercer álbum de la banda, y la segunda producción musical con el sello de Sony Music, fue La Dimensión del Cuy y se grabó en Argentina en 1998; bajo la dirección del conocido productor Mario Breuer en los estudios de Psiqueros Records. El nombre del disco se lo debe al sentimiento de aprecio de la banda por su país, Ecuador, en donde se menciona al cuy como animal que se convierte en un símbolo de la identidad ecuatoriana. En la portada del disco se puede apreciar la sombra de una persona que se perfila en la tierra en un atardecer rojizo como los son únicos en el Ecuador, teniendo en la parte posterior de la portada del disco la leyenda "Bienvenidos a la tierra de la gente sin sombra" lo cual es una clara alusión poética a la gente que vive en el Ecuador ubicado en la mitad del mundo, en donde se quiere decir que el sol pega de frente desde el cénit. En el disco se aprecia la cabeza de un cuy con la inscripción que dice "un cuy", con el diseño de las monedas de un sucre que fue hasta el año de 1999 la moneda oficial del Ecuador. Entre los temas que obtuvieron mayor difusión en las emisoras radiales se encuentran "Baila en el templo" y "Tira y afloja". Luego de grabar este álbum, el guitarrista Hittar Cuesta deja el grupo para fundar la banda Falc.

Las desventuras de Cruks en Karnak es el cuarto álbum de la banda se grabó en el año 2003 en un estudio de la banda, siendo de producción independiente. Este disco ha sido uno de los que más ventas ha llegado a tener en la historia del rock ecuatoriano, llegando a sobrepasar las 25.000 copias de discos vendidos, convirtiéndose en disco de platino en el Ecuador. El nombre del disco nace de la apreciación de Sergio Sacoto acerca de los temas que están incluidos en el disco, mostrando un enfoque de la vida desde diversas perspectivas: el amor, el desamor, el olvido, los problemas cotidianos, las emociones, problemas existenciales y filosóficos, en fin, toda clase de desventuras por las que la gente tiene que pasar en su día a día. La portada del disco contiene a un dibujo de tipo cómic que sugiere a William Crookes (científico que dio nombre a la banda) vestido de un arqueólogo aventurero en un fondo que, por su arquitectura, da la apariencia de ser una ciudad de Egipto, sugieriendo ser la ciudad de Karnak que también fue la que dio nombre a la banda. Esta portada es la fiel significación de lo que literalmente significa el disco "Las desventuras de William Crookes en la ciudad de Karnak". Varios temas de este CD fueron ampliamente exitosos comercialmente y contaron con una buena difusión por las emisoras de radio del país como "El Aguajal", "Ándate a Cancún" y "Uno vuelve".

El quinto álbum de la banda se graba en 2004 como una muestra de gratitud hacia el público que le brindó su apoyo desde sus inicios en 1989 (15 años de trayectoria artística) y desde la grabación de su primer disco en el año 1991 (13 años desde ese entonces hasta el 2004) y para afianzar su estilo musical. El álbum esta compuesto por diversos géneros musicales. Para este álbum participaron: Sergio Sacoto Arias (vocalista), Andrés Sacoto Arias (bajista), Pablo Estrella (guitarrista) y Pablo Santacruz (tecladista). Según una entrevista concedida a Diario El Universo, Sergio Sacoto manifestó que: “Es un disco en el que es muy evidente la depuración a nivel interpretativo y a nivel lírico”, “Hay cumbias, salsa, flamenco, bolero, influencias tangueras. De todos esos géneros investigamos para que queden como resultado esas fusiones y el estilo que caracteriza a los Cruks”. El disco se grabó en Quito y se masterizó en el estudio Circo Beat del intérprete Fito Páez en Argentina. Contiene 16 canciones, todas compuestas por Sergio Sacoto Arias.

Luego de este álbum y para el año 2006, fueron invitados a la Copa Mundial de Fútbol en Alemania, para dar una serie de conciertos durante el evento deportivo.

En el 2007 la banda decide separarse debido al último momento de la humanidad para Cruks en Karnak. Para ello se grabó el sexto y último disco oficial en el álbum de despedida lanzado por los Cruks en Karnak. En sí, se trata de un álbum de covers de sus propias canciones; o un álbum de nuevas versiones de algunos de sus temas más exitosos, como por ejemplo: 'Al borde del fracaso', 'Haciéndose Aire', 'El Aguajal', 'Como Camina', 'Tira y Afloja', etc, todos ellos con nuevos arreglos y el sello propio de la última etapa de la banda en su despedida, además de la inclusión de un nuevo tema 'Que te me vas'. Todos estos temas fueron interpretados por su última formación como banda: Sergio Sacoto, Andrés Sacoto, Pablo Santacruz y Pablo Estrella. Con este álbum se cerró un ciclo de una de las bandas más exitosas del Ecuador. A decir de la crítica, nunca antes una banda de rock ecuatoriana tuvo tanta trascendencia a nivel nacional. Luego de su lanzamiento se realizó una gira, dando su último concierto y su concierto de despedida en el Parque Itchimbía de la ciudad donde inició la banda, Quito.

Pink Floyd [Parte 2]

 

La siguiente publicación, Meddle (1971), terminó por cimentar el rumbo que tomaría la banda hacia el Rock progresivo. La canción «Echoes», de 23 minutos de duración, fue descrita por Waters como un «poema sónico» debido a sus constantes efectos de sonido, y está considerada como una de sus mejores piezas, pues contiene largos y enervantes lapsos instrumentales que demuestran cabalmente el talento de Gilmour en la guitarra, de Mason en la batería y de Wright con el Órgano Hammond . En este sentido, se dejó de lado la orquesta que tanto protagonismo tuvo en Atom Heart Mother para dar paso a las improvisaciones y experimentación de estudio. Poco tiempo antes del lanzamiento de este álbum en 1971, la banda afirmó en una entrevista que para este entonces la calidad y sonido de sus presentaciones no tenían ningún secreto (como los que afirmaban que requerían una gran cantidad de ingenieros de sonido), más que los 4 instrumentos que cada uno de ellos dominaba. Meddle alcanzó el tercer puesto en el Reino Unido, pero la falta de publicidad por parte de Capitol Records en los Estados Unidos hizo que en este país solo alcanzase el 70.º.

El siguiente trabajo de la banda fue Obscured by Clouds (1972), grabado en Francia, y que conformó la banda sonora de la película El valle de Barbet Schroeder. Se convirtió en el primer top 50 para Pink Floyd en los EE. UU., además de alcanzar el sexto lugar en el Reino Unido. La letra de la canción «Free Four» fue la primera referencia en una canción a la muerte del padre de Waters en la Segunda Guerra Mundial, un tema que se estableció como recurrente en posteriores trabajos. Además, la canción «Childhood's End» fue la última contribución lírica de Gilmour en quince años, y está basada en el libro del mismo nombre de Arthur C. Clarke. Estilísticamente, es un álbum ligeramente distinto a su antecesor, Meddle, con canciones más cortas y con la reducción del uso de efectos sonoros para la creación de atmósferas, rozando en muchos casos el blues rock, el folk rock o el soft rock.

Durante esta época, Pink Floyd se distanció de la psicodelia y se convirtió en una banda difícil de clasificar. Los distintos estilos de cada uno de los compositores confluyeron en uno único, que cristalizó en las dos obras más importantes de su discografía, para crítica y público: The Dark Side of the Moon (1973) y Wish You Were Here (1975). En ambas obras, Gilmour se convirtió en el principal vocalista de la formación, mientras que los coros femeninos y el saxofón de Dick Parry adquirieron especial relevancia. Esta época se convirtió en el cénit creativo de la banda, pues tanto en Dark Side como en Wish you Were Here los 4 miembros llevaron a cabo la composición de grandes canciones como Time, en cuya creación hasta Mason se vio involucrado. Según Gilmour, existía una especie de "consenso" entre los 4 en que Waters era el principal escritor de las canciones mientras que la composición musical recaía principalmente en Wright y él.

La publicación del superéxito The Dark Side of the Moon en 1973 marcó un antes y un después en la popularidad de la banda. Pink Floyd había dejado de editar sencillos desde 1968, cuando se publicó «Point Me at the Sky»; sin embargo, «Money» rompió esta tendencia y alcanzó el vigésimo puesto en los EE. UU. Por su parte, el álbum se convirtió en el primer número uno de la banda en este país, convirtiéndose en uno de los más vendidos en la historia de los Estados Unidos al sobrepasar los quince millones de copias, y uno de los más vendidos en todo el mundo, con más de cuarenta millones. Además, permaneció en el Billboard 200 durante 741 semanas, récord en aquel momento, incluyendo 591 consecutivas desde 1976 hasta 1988, lo que significó otro récord; se estima que alrededor de una de cada cuatro familias británicas posee una copia del disco en alguno de sus formatos. También se mantuvo en las listas británicas durante 301 semanas, aunque nunca superó el segundo lugar. Puede catalogarse como el primer álbum plenamente conceptual desarrollado por la banda, en que se abordan temas como el significado de vivir (Breathe), el estrés cotidiano (On the Run), el irremediable paso del tiempo (Time), y la muerte (The Great Gig in the Sky). En este álbum el saxofón adquiere un papel muy importante, expresando las influencias del jazz, especialmente visibles en Wright, lo cual, junto con el protagonismo del coro femenino, ayuda a diversificar la textura del álbum. A lo largo de este se escuchan varias veces extractos de entrevistas a algunos ayudantes del grupo reproducidas de fondo. Las letras y el sonido del álbum intentan describir de algún modo las presiones que sufre el ser humano a lo largo de su existencia. Su portada, que representa en un prisma el fenómeno de la dispersión de la luz, fue ideada por Storm Thorgerson y Audrey Powell.

Wish You Were Here, publicado en 1975, trata acerca de la ausencia de sentimientos humanos en el mundo de la industria musical, y también de la añoranza del antiguo miembro del grupo Syd Barrett. Conocido principalmente por el tema homónimo, el disco contiene también una extensa canción de 26 minutos dividida en nueve partes y dos pistas titulada «Shine on You Crazy Diamond», un tributo a Barrett en el cual la letra trata expresamente de las consecuencias de su salida del grupo. Muchas de las pasadas influencias de la banda fueron mezcladas en esta canción, que termina con una referencia a uno de los primeros sencillos de la discografía de Pink Floyd, «See Emily Play». El resto de canciones, «Welcome to the Machine» y «Have a Cigar» (cantada por Roy Harper), exhiben, como se dice, una fuerte crítica a la industrialización de la música. Wish You Were Here fue el primer álbum en alcanzar el primer puesto en el Reino Unido y en los EE. UU., y fue igual de alabado por la crítica que The Dark Side of the Moon.

Durante las grabaciones del disco Wish You Were Here se produjo una anécdota famosa para la banda: alguien, por alguna extraña razón, le dijo a Syd Barrett que asistiera a los estudios Abbey Road porque Pink Floyd estaba grabando un nuevo disco. El 5 de junio de 1975 un hombre gordo, con la cabeza y las cejas completamente afeitadas, llegó al estudio Abbey Road mientras los integrantes del grupo estaban mezclando «Shine on You Crazy Diamond». Nadie fue capaz de reconocerlo, hasta que de repente uno de ellos se dio cuenta de que era el mismísimo Syd Barrett. Preguntado por su extraña gordura, Barrett dijo que había estado comiendo demasiadas chuletas de cerdo.

Con la publicación de Animals en enero de 1977, la música de la banda comenzó a ser criticada por parte de los seguidores del punk rock por haberse convertido en demasiado pretenciosa, al haber perdido de vista la simplicidad del rock and roll. Sin embargo, Animals está considerado como un trabajo más guitarrero que los anteriores, en parte debido a la influencia del emergente movimiento punk y al hecho de que fue grabado en los nuevos estudios de Pink Floyd, Britannia Row. Fue el primer disco que no incluyó ninguna composición de Rick Wright, y alcanzó el segundo puesto en el Reino Unido y el tercero en los EE. UU. Como en muchos de sus antecesores, Animals posee varias canciones relacionadas entre sí por un mismo tema, en este caso inspirado en la novela Rebelión en la granja de George Orwell. En el disco, las canciones «Sheep», «Pigs» o «Dogs» se emplean como metáforas de la sociedad contemporánea. En esta metáfora, los perros («Dogs») son los mandamases de la industria, los cerdos («Pigs») representan a la clase política británica de entonces, aludiendo indirectamente a figuras como la de Margaret Thatcher, y las ovejas («Sheep») representan al resto de habitantes, que se dejan llevar por los perros y los cerdos sin rebelarse. A pesar del protagonismo de la guitarra, los teclados y sintetizadores aún juegan un papel importante en Animals, pero el característico saxofón de Dick Parry y los coros femeninos desaparecieron de las composiciones. Muchos críticos no respondieron bien al álbum, calificándolo como «tedioso» y «sombrío». La portada del álbum presenta a un cerdo inflable, al que los miembros de la banda le pusieron de nombre «Algie», sobrevolando las chimeneas de la Battersea Power Station de Londres. Sin embargo, el viento que estaba soplando el día en que se tomó la fotografía complicó el control del globo, y hubo que superponer la foto del cerdo y la de la estación eléctrica mediante un montaje fotográfico. Este cerdo se convirtió en uno de los símbolos de la banda, y permaneció como una parte más de los espectáculos en directo del grupo.

Los Iracundos [Parte 2]

 

En los años 1970 reafirman su popularidad con varios discos de oro, por temas como: Va cayendo una lágrima, Te lo pido de rodillas, Y te has quedado sola, Chiquilina, Soy un mamarracho, Río verde, Infidelidad es tu traición, Marionetas de cartón, Cada noche mía, Me estás matando, Y me quedé en el bar, Tú me diste amor, Pasión y vida. En 1972 Los Iracundos vivieron una experiencia muy aplaudida: fue la primera vez que la banda uruguaya fue al Festival de Viña del Mar como invitados.

Sacando un álbum por año, y en algunos casos dos, es de resaltar que en esta década el grupo deja las composiciones italianas y empieza a grabar con temas de la autoría de sus integrantes, con un estilo propio. Así también se editan un total de seis álbumes con temas instrumentales, entre ellos Tango joven, donde graban temas del repertorio tanguero, entre ellas Eduardo Franco interpreta El último café. También grabaron varios EP, mini plays y discos de 45. Entre ellos está el mini play Los Iracundos para niños con cuatro temas como Pedimos pido, La mala palabra, Pepito Agustín y Pedrito el mentiroso.

A comienzos de la década de 1980, hacen una aparición en la película "Locos por la música", junto a otros músicos, aportando su éxito, "Esa esquina". En 1981 lanzan su disco de oro, Tormenta de verano, en 1982, Cuarenta grados, cuyo tema principal se grabó también en portugués por varios grupos de la época. Igualmente el grupo graba un disco de 45 rpm con dos canciones en portugués (Pasión y vida - Tú me diste amor, tú me diste fe) para ser distribuidos en el mercado brasileño.

En 1984 lanzan uno de sus hits más exitosos internacionalmente, "Tú con él", de la autoría de Eduardo Franco, en el álbum del mismo nombre y donde también se encuentra el tema "Las puertas del olvido" que llegó a ser un éxito también en Estados Unidos y buena parte de América.

En 1985, tras su retiro de la disquera RCA Argentina, donde permanecieron más de 20 años, se edita un disco recopilatorio con cinco temas inéditos: "Tu por aquí", "Chocar la misma pared", "Adiós, borrón y cuenta nueva", "No quiero un beso" y "Tú y yo, de igual a igual".

El 20 de marzo de 1985 hizo una gran gira por Bolivia producida por el bajista Hugo Burgueño visitando a los departamentos de Santa cruz, Tarija, El Beni, Cochabamba. Participaron en muchos evento y festivales, como festival de la canción en Calama (Chile).

Para 1986 el grupo había alcanzado fama mundial, con giras exitosas, lanzando su álbum "Iracundos 86", ya bajo el sello Microfon Argentina (Micsa), con composiciones como "o Me voy o me quedo" y "Pedazos de papel" y posteriormente editan la "Historia de Los Iracundos" un disco único en su contenido con todas las canciones clásicas de su carrera producido por "Eduardo Franco y Hugo Burgueño". Debido a problemas internos se retira del grupo Hugo Burgueño en plena gira en los Estados Unidos.

En 1987, los 5 miembros restantes, sacan un nuevo álbum, con la denominación "Eduardo Franco y sus Iracundos de siempre" con nuevos temas, que alcanza un éxito relativo con los temas "Por que me hiciste trampa" y "Dime quien" que sonó tiempo después.

El 3 de abril de 1988, Eduardo Franco hace su última actuación en vivo en su tierra natal Paysandú, Uruguay en "La fiesta de la cerveza". En el mes de junio de ese mismo año se presenta en varias ciudades de Perú, entre ellas destacan tres presentaciones en el Satchmo Jazz Bar y en el coliseo "Amauta" de la ciudad de Lima, siendo su última visita a dicho país.

El 1 de febrero de 1989, Eduardo Franco falleció en Paysandú, luego de padecer por varios años la enfermedad de Hodgkin.

Jethro Tull

 

Jethro Tull es una banda de rock progresivo británica que se formó a finales de 1967 y sigue aún en activo, lo que la convierte en una de las agrupaciones de rock más longevas. Siempre ha sido liderada por el cantante y flautista escocés Ian Anderson, autor de prácticamente todas las canciones del grupo, y de hecho sus músicos se comportan como su apoyo, dado que es el único que ha permanecido desde su nacimiento; solamente el guitarrista Martin Barre se le acerca, estando desde el segundo álbum.

La banda logró mucha popularidad en la primera mitad de los años setenta con álbumes emblemáticos en la historia del rock como Aqualung y Thick as a Brick, y con el tiempo llegó a convertirse en un grupo de culto. Jethro Tull fue la primera banda en recibir un premio en los años 1970 por vender más entradas en el Madison Square Garden (Nueva York) que ningún otro grupo, generalmente teniendo que añadir un cuarto show en sus visitas dada la altísima demanda.

Su música, encuadrada en el rock progresivo, constituye una mezcla muy original de blues, folk inglés y hard rock, con pinceladas de música barroca, música medieval inglesa e incluso renacentista. El grupo desarrolla además una vertiente dedicada a originales canciones acústicas de difícil clasificación. En su sonido, destaca de forma particular la flauta de Ian Anderson, tocada de una forma magistral, que ha sido y sigue constituyendo una de las inconfundibles características del sonido de Jehtro Tull, así como el sonido desgarrado de la guitarra eléctrica de Martin Barre.

Durante algunos años, el grupo incluyó dos brillantes teclistas conjuntamente, con lo que obtuvo un sonido de particular colorido y dimensión: los maestros John Evan y David Palmer. Este último realizaba además los arreglos orquestales. La participación del sobresaliente bajista y cantante John Glascock, -fallecido en 1979- dotó a la banda de una tímbrica muy personal, con una segunda voz y un excelente apoyo vocal y armónico. La formación también ha utilizado una gran variedad de instrumentos, en su mayoría tocados por el propio Ian Anderson, como el laúd, la mandolina, la balalaica, el saxofón, la armónica, la gaita, el acordeón y diversas clases de flautas. Salvo contadas excepciones, todos los temas interpretados por el grupo han sido compuestos por Ian Anderson, auténtico líder y factótum del grupo. Anderson es un personaje camaleónico, tanto en su aspecto como en su capacidad para reinventar continuamente su propia música, lo cual ha permitido a Jethro Tull mantenerse joven a pesar de los años.